#NuevosRuidos: Dreamwave desde Chetumal con Aladin Fox

Los chicos de Aladin Fox, joven banda de Chetumal, Quintana Roo, saben lo confuso que es enamorarse de dos personas al mismo tiempo. Si eres fan de la nostalgia ochentera pero siempre estás en busca de #NuevosRuidos el dreamwave de esta banda es ideal para ti. La prueba es “Some Girls”, primer sencillo de lo que será su primer álbum de estudio: Dancing on the Lights.

Escuchalo aquí y mientras bailas entre colores neón, checa lo que les preguntamos: 

¿Nos pueden describir cómo se formó la banda?
En octubre de 2017, Vicente (guitarra) empezó haciendo unas maquetas que subía a Facebook, luego yo (César-bajo) las escuché y me parecieron muy buenas, le hablé para decirle que estaban bien cools y al día siguiente nos reunimos en mi casa a tocar y ahí salieron dos rolitas (“Room on Fire” e “Introduction”) que hoy forman parte de nuestro primer EP, Movies Night. Recuerdo que ese mismo día las grabamos.

Después de unas semanas, Jorgito habló con Vincents, quien le mandó las rolas que habíamos hecho, le latieron y lo jalamos en la batería, y primero empezamos a ensayar nosotros tres y con secuencias de segunda guitarra.

Pasamos por varias cosillas en lo que buscábamos guitarristas, tuvimos algunas diferencias con algunos que se ofrecieron para la segunda guitarra, y por azares del destino llegó José (guitarra) quien toca igual con Jorge en una banda que se llama Malibú Club, cayó como anillo al dedo y desde eso seguimos tocando juntos.

¿Qué planes tienen este 2018?
Primero, publicar el álbum este mes de febrero y que llegue a muchos oídos. Estamos trabajando en la búsqueda de fechas fuera de Quintana Roo y concretarlas, también nos encantaría llegar a festivales, queremos estar por todas partes presentado nuestra música, compartiéndola con toda la gente, que se sientan identificados. Sobre todo hacerlos pasar un rato agradable, bailar y dar mucho amor.

¿Cómo son sus shows?
Aquí en el estado actualmente hay muchas bandas con propuestas diferentes y muy buenas. Está Malibú Club, Poux y Alice Whisper, por ejemplo, son tres bandas que admiramos mucho de aquí. En los shows en vivo, tratamos de que la gente lo disfrute y que se la pase muy bien, que bailen y se diviertan; y por nuestra parte nos encanta repartir besos volados y buenas vibras a todos.

Las chicas que enamoran a los Aladin Fox escuchan desde reggaeton hasta banda. Falta poco para conocer más historias sobre amor que inspiraron su álbum debut. Mientras llega el día, estén pendientes a sus redes: @aladinfoxmusic en FB, Twitter e Instagram.

#NuevosRuidos: Bailen al ritmo del math rock de FRDZ

Aguascalientes ha destacado últimamente por las propuestas musicales que están saliendo de este pequeño estado. Una de las mejores sorpresas del 2017 fue el Fernández EP, que con sólo siete canciones sorprendió a los seguidores de los compases irregulares.

El cuarteto hidrocálido aprovechó estos ritmos para crear su primer video oficial, “Habanero”, por lo que platicamos con Nestor Alonso, director del video y guitarrista de la banda sobre este proyecto audiovisual:

“La idea nace del concepto de querer experimentar con los movimientos de cámara, como un experimento visual para nosotros como realizadores de video. Estábamos interesados en plasmar una secuencia visual que concordara con la música pero que no precisamente tuviera una historia como tal. Una vez que fijamos los movimientos de cámara que queríamos, decidimos tomar un tema que nos interesa: el Día de muertos.

No queríamos usar una catrina como tal, sino una representación o guiño a esta, de forma que nos preguntamos ¿qué se vería bien en cámara? Después de meditarlo tomamos la decisión de investigar acerca de bailes folclóricos mexicanos y nos interesó los movimientos que producía la falda, notamos que había patrones no sólo de baile sino visuales que podíamos y queríamos usar para “Habanero”.

Fue entonces que comenzó el proceso de creación y estructura del video, queríamos proyectar un “balance” entre la música y la bailarina, de manera que nosotros como músicos apareciendo en el video, no le quitáramos espacio a estos dos elementos que consideramos más importantes”.

Por acá pueden notar los movimientos de cámara y el balance del que habla Néstor.

“Lo más complicado al momento de producir y filmar el video fueron, por un lado los permisos, pasamos por bastantes frenos burocráticos que no nos permitieron llegar a hacer todo lo que teníamos en mente y al final optamos por ajustar la idea que teníamos y usar otros ambientes/paisajes/lugares. (Al final tuvimos más de 10 locaciones).

Por otro lado fue demandante para nosotros la estructura en la realización del video, tanto la filmación como el proceso de edición fueron complicados debido a esto. El guión por ejemplo, estaba estructurado por secuencias que debían de medir cierta cantidad de tiempo, casi cronometrado, y además los giros de cámara que se ven en el video debían de concordar el uno con el otro, es decir, si una toma terminaba hacia la derecha o arriba, la siguiente debía de comenzar por la izquierda o abajo.

Esto nos forzó a planear el recorrido de la cámara, el tiempo, la acción en la secuencia y los encuadres, todo en sincronía. En la edición se invirtieron bastantes horas de trabajo para crear la sensación de fluidez que tiene el video, además de crear loops visuales y resaltar otros aspectos importantes del video, hay mucho trabajo de edición”.

El encargado de la cinematografía y la edición del video fue Juan Carlos Carreón, el otro guitarrista de la banda. La bailarina y coreógrafa se trata de la maestra Paola Carolina López.

Para 2018 la banda planea su primera gira por el país y también espera poder presentar este proyecto fuera de México. Con suerte nos sorprenderán con un nuevo EP y otro video. Con la calidad que demostraron en “Habanero” nos  mantendrán con altas expectativas.

No olviden seguir a la banda en redes para no perderse ni un detalle: FRDZ.

#WMPGigs: Colombia se llena de música en Estéreo Picnic

La novena edición de Estéreo Picnic en Colombia se aproxima, el 23, 24 y 25 de marzo el Parque 222 de Bogotá  se llenará de música junto a The Killers, Lana del Rey, Gorillaz y muchos artistas más.

Asegura tu lugar para ver a los mejores artistas internacionales en Colombia. Conoce los  paquetes con vuelos, hospedajes y boletos para el festival incluidos, aquí. 

DJ Snake, Hardwell, Zoé, The National, Metronomy, Royal Blood, Bomba Estéreo, Galantis, Tyler, The Creator, Dillon Francis, Mac DeMarco, Dixon, Milky Chance, Ondatrópica, Kali Uchis, The Black Madonna, Dengue Dengue Dengue, Crew Peligrosos complementan esta bella edición.

#EstéreoPicnicColombia2018

#WMPGigs: Desde Europa llega Fatima Yamaha a Normandie

Desde la escena vanguardia de Europa llega por primera vez a tierras aztecas Fatima Yamaha. Este 12 de enero llega el live act de Fatima Yamaha a Normandie junto al DJ set de Antal.

Dos label importantes de la electrónica como lo son Dekmantel
Rush Hour fusionan sus propuestas para brindarnos una noche llena de música, talento y fiesta.

Dynamic Waves y GetMove preparan una noche imperdible para los fans de este género el próximo viernes y tú no te lo puedes perder.

¡Date este fino set de Fatima Yamaha!

¡Consigue aquí tus tickets!

El Mundo de Tim Burton: La última exposición del año que no te puedes perder

Por Berenice Espíndola
Una serie de bocetos que fueron elaborados a lo largo de su carrera, en alternados materiales, tan sencillos como una servilleta de alguna cafetería, hasta un pedazo de terciopelo trabajado al óleo son los que nos dan la bienvenida al Mundo de Tim Burton. El museo Franz Mayer trae para nosotros la exposición que detalla cada uno de los bloques esenciales del escritor, director, productor y diseñador: Tim Burton. El californiano creció con el gusto por dibujar y esque desde una edad muy temprana empezó a dar vida a personas que hoy vemos como Frankenweenie, Skellington, Oyster Boy, entre otros; la mayoría de estos personajes mantienen una relación personal con la vida del autor, protagonistas con cualidades solitarias, incomprensibles pero a su vez auténticas.
Ilustraciones, pinturas, storyboards, maquetaciones, libros e ilustraciones inéditas de obras no realizadas, nos muestran el proceso creativo de este director y también sobre todo la retroalimentación que hay en cada una de sus obras maestras, la captura de la esencia de los personajes que bajo la línea de tiempo del los diferentes proyectos cambian de formato: de la ilustración al stopmotion o de ilustración a la captura de personajes reales como en Alicia en el País de las maravillas, El Joven Manos de Tijera, entre otros títulos. Burton creció en un pueblo pequeño en donde no había mucho alcance para fomentar su gusto por el arte, así que todo su estilo para ilustrar fue inspirado en filmes expresionistas de directores como George Melies, Ray Harryhausen y Vicent Price, entre otros, sin embargo también menciona que muchos de los personajes en esta muestra tienen a su familia como protagonista, personas que esperan en la fila de cines, entre otras cosas que parecieran muy ordinarias.
Las salas de esta exposición en total muestran 400 elementos de la carrera del director, piezas que se han exhibido desde el principio de esta en el 2009 expuesta por primera vez en Museo de Arte Moderno de New York y que hoy en día llegan para nosotros con elementos específicamente seleccionados para exhibirse en México. La exposición cuenta con 9 secciones que podrás disfrutar en un recorrido de alrededor de dos horas de duración.
Pocas veces tenemos la oportunidad de poder conocer tan de cerca el proceso creativo de un artista tan reconocido como lo es Burton, la exposición simula la experiencia de visitar la mente de este director y entender más a fondo que hay detrás de las piezas terminadas, pero sobre todo la intimidad que hay en el trabajo de alguien que ha puesto su vida en historias con las que nos hemos sentido identificados o que simplemente disfrutamos por su brillante originalidad, así que si tienes curiosidad por asistir a esta exhibición tienes hasta el 8 de abril del 2018 para disfrutarla, puedes comprar tus boletos desde la siguiente página: www.timburton.mx/el-mundo-de-tim-burton/es.
Y si aún no estás convencido de asistir podrás observar más adelante de manera gratuita 20 piezas de Burton que serán intervenidas por artistas locales y algunos huicholes, mismas que estarán montadas sobre Paseo de la Reforma.

Tash Sultana por primera vez en México

Con tan solo 22 años de edad, la instrumentalista australiana Natasha Sultana, conocida en la industria como Tash Sultana, llegará a tierra mexa por primera vez este año. En principio la cita para su concierto se había establecido en SALA Corona, pero por motivos desconocidos se mudó al Auditorio Blackberry, conservándose la fecha inicial para el 14 de marzo.

Ya antes les habíamos contado un poco sobre Tash. Lo que impresiona de su talento no es solo que sepa tocar una multitud de instrumentos, entre ellos la guiarra, batería, teclado, trompeta, flauta, saxofón y lo más admirable: beat boxing y efectos en pedales que, en conjunto con su voz, le hacen tener un estilo difícil de igualar, pues es una experta del jammin’.

¿Dónde inició todo?

En YouTube con videos caseros que Tash iba subiendo a su cuenta.

Tras separarse de Mindpilot, su primer proyecto grupal, Tash se dedica a viralizar sus composiciones en la red y empieza a tener presentaciones en Estados Unidos, Nueva Zelanda y distintas locaciones de Europa. Con tan solo algunos tracks independientes y con el lanzamiento de su primer EP Notion, la australiana se ha ganado el corazón de muchos, así que saldrá de tour, incluyendo a México.

Siendo reconocida a nivel mundial en tan solo un par de años, tendremos la oportunidad de presenciar su show único en su especie: una front woman joven que lo da todo en el escenario.

Los tickets para ver a Tash Sultana en Auditorio Blackberry tienen un costo de $550.00 más cargos a través de Ticketmaster, o sin cargos en taquillas de SALA Corona en Puebla #186, Col. Roma Norte de la CDMX.

 

#NuevosRuidos: Una fusión de sonidos llamada Deville

El talento de un músico a veces se lleva desde la familia, y así le paso a Deville, la banda integrada por los hermanos Kevin Deville y Milenko Deville, quienes junto con Mónica del Valle, Luis Chacón, Fabián Hernández y Daye Beltran integran la agrupación.

En su música  fusionan diferentes géneros, en las letras escriben sobre aspectos sociales, vivencias y temas con lo que la gente se identifique. Platicamos con Milenko en The WMP para nuestra sección #NuevosRuidos y esto nos dijeron:

Milenko  Menciona una banda que admires y una banda que te desagrade y por qué.

Milenko: “Admiramos a muchas, generalmente las que se han ido abriendo camino en esta difícil y exigente industria, admiramos desde Prince hasta Lamb of God. ¿Desagradar? Sería muy arbitrario, el gusto se rompe en géneros… si tuviera más bien que hacer una crítica, seria en general a la escena actual emergente en México, es muy evidente, nadie aporta realmente nada nuevo o se arriesga, todo lo que llaman rock o indie o alternativo, suena a lo mismo.”

W: Menciona algo en lo que pienses mientras escuchas tu música:

– Kevin: “Groove y poder”
– Milenko: “Fusión y talento”
– Luis Chacon: “poder y movimiento”
– Fabian: “Bailar”
– Monica: “Groove”
– Tr-900: “Fluidez y emoción”
– Daye: “Ritmo y pasión”

W: ¿Cómo sostienen el presupuesto de la banda, en qué trabajan, qué estudian?

M: “Todos trabajamos, los demás integrantes son músicos cesionistas y trabajan para otros proyectos de renombre y teatro musical, mi hermano y yo somos los que financiamos el
proyecto y trabajamos como empresarios con la familia, de ahí sacamos para mantener al proyecto”.

W: ¿Cuál fue la primera banda con la que te clavaste demasiado o con la que decidiste que debías formar una banda?

M: “Black Sabbath”.

W: Menciona tres puntos por los que invitarías a alguien a escuchar o conocer tu proyecto.

M: “Escuchar algo nuevo, disfrutar buenos ritmos, visualmente es pura diversión entre nosotros y contagiamos al público”.

W: ¿Cómo describirías a tu banda en 140 caracteres?

W: “Creo que es mucha palabrería 140 caracteres y presuntuoso hablar de uno mismo, así que dejare esta descripción a manera de mención que nos hizo un medio en Nueva York VynilFresh, hace unos meses y que sin tantos rodeos nos describió a la perfección y
nos encantó”:
– “Not many bands can succesfully blend Funk, Rock, Hip-hop, pop and Electro in one song but, Deville is far from being your average band”.

W: ¿Planes a futuro?

M: “Empezar a hacer mas ruido en nuestro país Mexico ya que las oportunidades por ahora han sido en el extranjero, empezar en Festivales importantes dentro y fuera de la Ciudad”.

W: ¿ Cuéntanos una anécdota sobre tu banda?

M: “Nuestra más grande aventura que justamente fue hace un año en nuestra gira por Europa y que de hecho es el tema de nuestro mas reciente videoclip y sencillo “Vuelo Veintiuno”. Hace un año salimos en el en el Vuelo Veintiuno, a probar suerte y realizar nuestra primer gira internacional tras haber logrado colocar un sencillo en Reino Unido. Una gira que nos abrió horizontes y nos dio una perspectiva diferente de la música. Tener la oportunidad de exponer nuestro proyecto fuera de nuestro país, fue una experiencia única e increíble, pero como en toda historia siempre hay villanos, hubo varios personajes que trataron de robarnos, estafarnos y hacer que todo saliera mal, desde un manager que nos robo viáticos, retuvo boletos de avión y por su culpa deportaron a dos miembros de la banda hasta un pseudo- productor que nos robó equipo y quizo alegar que nuestra música era de su propiedad. Un ingeniero loco mandando por los anteriores personajes a sabotear la gira y que trato de atentar contra nuestra vida estando allá en Europa. Un drama cercano a una novela de cómic y de ahí parte está nueva imagen y el vídeo de “Vuelo Veintiuno”;  es una burla a todas la desventuras que nos ocurrieron en este viaje y que venturosos logramos salir exitosos manteniéndonos juntos como banda y demostrando de que estamos hechos. “Vuelo Veintiuno” más que un sencillo, es un mensaje a todas la bandas y músicos que inician en esta difícil carrera, que deben estar atentos a quién se acerca a ustedes con dobles intenciones y siempre confiar en ustedes mismos, su música  y mantenerse unidos como banda, este fue el vuelo que nos hizo crecer aún más, este fue el vuelo que nos cambio para siempre, este fue nuestro “Vuelo Veintiuno”.

La banda se encuentra promocionando el tema “vuelo Veintiuno”, el cual fue producido por Juan Carlos Corpus en Dhara Studios. ¡Denle play!

¡Sigue a la banda en su FB, IG y TW!

Rhye vendrá a demostrar su amor a México

Estamos despidiendo al 2017 (lágrima de cocodrilo) que dio bastantes frutos en el ámbito musical, entre ellos, el tan esperado regreso de Rhye. Recordamos esu inicio con el lanzamiento de Woman en 2013, en el cual estaba involucrado el productor Robin Hannibal. El proyecto ahora quedó prácticamente en manos del canadiense Mike Milosh como compositor, vocalista y productor de lo que pronto escucharemos en Blood, el segundo material de estudio que estará disponible a partir del 2 de febrero de 2018. México forma parte del tour promocional,  contando con una fecha en Guadalajara y otra en la CDMX.

Como es sabido, la manera en que Rhye se dio a conocer fue contracorriente y nada convencional. Algunos creíamos que tras bambalinas estaba la voz de una mujer, no había fotografías ni mucha información en la prensa que esclareciera de dónde provenía todo ese sonido pacífico con letras profundas y sinceras… El tiempo ha pasado volando y, aunque las cosas no han cambiado radicalmente en ese proceso, sí que se han transformado a nivel producción. Platicamos con Milosh para saber cuáles son los siguientes pasos a seguir y esto fue lo que nos compartió:

Soy una fanática del arte y la fotografía en blanco y negro. Así que dime, ¿dónde nació esa fijación por el blanco y negro?

Solamente amo la fotografía en blanco y negro como es. Cuando estaba tomando fotos para el nuevo álbum Blood, sentí que tenía que exponer el blanco y negro que, al final, también son colores.

¿Cuál es la mejor parte de poder ser compositor y músico hoy día?

Probablemente es un orgullo poder tener el control de lo que haces. Me refiero a que yo escribo y produzco todo. El trabajo en arte es muy personal para mí, porque si puedes hacer todo tú mismo, puedes estar seguro de que el resultado será siempre lo que tú quieres.

Fue muy agradable escuchar música de Rhye este año. Cuéntame sobre la composición de los tracks, por ejemplo el más reciente “Coun’t Five”, ¿cómo crees que lo ha recibido la gente?

A lo largo de esta año estuve dando a conocer varios tracks, desde febrero de hecho. Todas las composiciones las siento con un sonido enraizado, genuino; contienen grabaciones de instrumentos en vivo como batería y piano que le dan un toque más en directo, es un álbum que se escucha a un concierto en vivo.

¿Existe alguna relación entre el nombre de los álbumes de Rhye? Me refiero a que primero fue Woman y ahora Blood.

No como tal. La sangre corre alrededor de nosotros, es así como la gente llama a su familia, es sobre las raíces, sobre lo humano. Este nuevo álbum, Blood, trata más de experiencias y todas las canciones están ligadas a esa idea general de celebrar la vida.

Hoy, en todo el mundo, el poder de las imágenes representa un valor que se reconoce más allá de la realidad. ¿Para ti qué representa la imagen de una mujer mostrada en el arte de una portada?

Blood también habla de la mujer de mi vida, es sobre mis experiencias con ella y mis experiencias sin ella. La vida tiende a ser así cuando eliges a alguien.

¿Crees que sigue existiendo la privacidad en el mundo virtual del que dependemos?

Mmm, sí lo creo. Creo que la gente a veces siente que entiende todo sobre sus vidas, porque ven la vida de otros a través de las redes sociales, aunque digan mentiras igual que el gobierno que, de hecho siempre está mintiendo. Todos mostramos lo que elegimos compartir, tenemos esa capacidad. La privacidad es interesante, si tú eliges no compartir algo en internet, ese es tu mundo privado. Tu mundo de privado es lo que tú decides ser. Así que sí, creo que todavía existe la privacidad.

¿Qué podremos encontrar en el sonido de Blood?

Esta vez quise alejarme del sonido muy electrónico y computarizado. Es una producción más natural y con instrumentos grabados como antes, lo que hace que el sonido de cada teclado y micrófono suene más profundo y natural.

En México, nos vuelve locos el tener música nueva de artistas que extrañamos y poder escucharla en vivo en la misma fecha de lanzamiento. En ese sentido, los mexicanos hemos sido muy suertudos este año, y el 2018 promete bastante. ¿Cuáles son tus expectativas de tocar de nuevo en nuestro país?

Mmm, descubrí que realmente amo estar en México. Amo estar en la Ciudad de México, amo Guadalajara; intento conocer más del país, tengo algunos amigos ya, es gente muy dulce y libre. Así que quiero tocar todas las veces que pueda en México y así tener más experiencias vividas allí. Para mí representa algo muy especial estar de nuevo aquí.

Tú música es relajante y tus letras nos hacen meditar sobre las emociones reales. Febrero es el mes del amor a nivel mundial. ¿Esto tiene alguna relación con la fecha de lanzamiento de Blood?

Lo veo más como una consecuencia que si lo hubiera planeado. Era el tiempo viable para el lanzamiento. La producción de Blood tardó aproximadamente seis meses y todo se fue encaminando a esa fecha que, aunque decidí que fuera en febrero, eso no quita que siempre deje la ventana abierta a que algo pase, es decir, las cosas se acomodan a su tiempo. Me agrada que al final todo se diera para salir en febrero; básicamente iniciará el tour en México y seguiremos tocando hasta agosto próximo, será un largo tour.

¿Qué tienes en mente para las próximas presentaciones en vivo?

Para este nuevo tour seremos siete personas en el escenario. Yo me he encargado de los teclados y gran parte de la producción, pero será algo más dinámico en vivo. Respecto al setlist, por supuesto habrá canciones viejitas, pero también un poco del nuevo material. Tendremos algunos momentos grandes en vivo, pero también algunos muy tranquilos.

¿Con el cambio de año, qué es lo que viene para ti en lo personal?

Lo que sigue para mí es dedicarme a producir algunos videos, pienso que son la parte más dura del trabajo que conlleva un nuevo álbum. Pones mucha energía en ello y me gusta mucho experimentar con lo visual, es divertido. Grabar y ser parte de los videos es algo que me satisface mucho y es uno de los siguientes retos que tengo, aunque no parezca un gran reto. Se viene el tour y asimismo no dejar de componer canciones mientras esto sucede, ya que no me gusta esperar cinco años o más para tener otro material listo.

Así como Milosh se muestra impaciente por presentar su full band set y demostrar su amor a nuestro país, nosotros lo estamos aún más. ¿Ya lo tienen agregado a su lista de wish concerts?

#NuevosRuidos: Una suave propuesta musical llamada Altoparlante

Este dúo originario de la CDMX compuesto por Ernesto Natarén y Adrian Rentería forman Altoparlante, un proyecto que fusiona los sonidos de percusiones, metales y pianos con la música electrónica.
Como primer adelanto nos presentaron el sencillo y video para “Cambiarás”, mismo que produjeron junto a Juan Soto y grabaron en Cuba.  Platicamos con Ernesto para conocer mejor su proyecto y esto fue lo que nos platicó:
WMP:  ¿Cómo surgió la idea de fusionar música electrónica con sonidos orgánicos?
Ernesto: “Yo estudie composición y por ese lado traigo la escuela de la música clásica, me fui  de viaje a la Habana y por allá surgió la idea de fusionar con sonidos más modernos. Por otro lado Adrián estudió ingeniería en audio y música electrónica, entonces cada uno aporta lo que sabe y así fue como nació Altoparlante”. 

W: ¿Desde cuando tenían preparado “Cambiarías””? ¿Y cómo surgió la idea de trabajarlo con Juan Soto?

E: “Juan es muy amigo y somos muy fan de lo que él hace, entonces le presentamos el proyecto y afortunadamente le gusto y acepto ser la parte de co-productor, también nos ayudo a elaborar la parte de las letras, fue un gran trabajo de amigos y a él le gusto mucho el resultado. Vamos a producir todo el disco con él para seguir con el mismo sonido”.

W: ¿Nos platican acerca de su proceso de producción al trabajar la dirección con Nico Bongiovanni y la fotografía cono Jordi Planell para el visual? ¿Alguna aventura que tuvieron por ahí?

E: “La idea de hacer el video allá fue porqué la canción tiene una base muy marcada de ritmos cubanos,  yo tenía un viaje programado en cuestión sentimental, entonces aproveche y platique con Nico y Jordy,  a ellos les gusto el proyecto, entonces comenzamos a trabajarlo. Fueron 15 días en los que hicimos un  buen equipo de producción”.

¡Denle play a “Cambiarías”!

W: Hablando de su material de producción¿Se puede saber que artistas vienen en el EP completo?

E: “Sí, estamos trabajando un sencillo con los hermanos Tyrell”. 

W: De aquí a marzo que es cuando se estrena completo el EP, ¿sacaran nuevos sencillos?

E: “Entre lo que sacamos el EP completo lanzamos el sencillo con Tyrell y en febrero comenzaremos la producción d el video para la siguiente rola que estamos trabajando con Juan Soto”.

W: ¿Planes a futuro?

E: “Tenemos pensado hacer tres videos, queremos apoyarnos mucho con material audiovisual, también planeamos hacer un live act con músicos invitados. 

¡No olvides seguir a Altoparlante en su FB e IG!

#NuevosRuidos: Enamórate del sonido melancólico de Oh! Cometa

Originarios del Estado de México, David Rosetti, Daniel Torres, Nicolás Tellez, Oscar Elizondo e Ivan, forman Oh! Comenta, una nueva banda que expresa amor y buena vibra a través de sus melodías.

Para cerrar este 2017 con broche de oro, la agrupación nos presentó su primer EP, el cual cuenta con seis temas. La arte de su material corrió a cargo de Profe james. 

Platicamos con ellos para conocer mejor su propuesta y esto fue lo que nos dijeron:

WMP: ¿De qué hablan en sus canciones, qué pretenden, o que no, transmitir?

Oh! Cometa: “La mayoría de las canciones hablan sobre el amor, pero al igual tratamos de trasmitir como es el amor desde nuestra perspectiva, el como en tan solo unos minutos podemos hacer sentir en las personas muchas cosas.  El recordar a alguien que ya no este con ellos y el disfrutar de todas esas cosas que queremos hacer por muy pequeñas que sean”.

W: Menciona una banda que admiren y una banda que les desagrade y por qué.

Oh!: “Admiramos mucho a Porter porque a pesar del cambio de vocalista que tuvieron supieron cómo seguir adelante y no quedarse en el camino. Y pues creo que no tenemos alguna banda que nos desagrade, cada banda tiene algo bueno”.

Su música es inspiracional, cuenta historias a través de las letras sinceras, su sonido es innovador, y hay una canción para cada estado de ánimo.

W: Cómo describirías a su proyecto en 140 caracteres.

Oh!: “Es una banda sincera que fue formada por el destino y uno que otro golpe suerte,  intenta ofrecer una mezcla de música pop con unos toques de rock agridulces. Es música romántica, algo cursi con melodías alegres, algo pegajoso y letras para querer, extrañar y disfrutar a alguien. Intentamos hacer algo nuevo e innovador a nuestra manera. Somos amigos y la cotorreamos dentro como fuera de la banda, somos muy unidos y nos unió la música que hacemos de corazón”.

W: Si tu música fuera un estado de ánimo cuál o cuáles serían.

Oh”!: “Melancolía”

W: ¿Planes a futuro?

R=. “El estreno de un nuevo sencillo en un feat muy especial, estreno de video de “El Bosque”, sesiones acústicas de las rolas del EP y estamos trabajando en las rolas de
nuestro primer LP”.

W: Hay alguna otra corriente artística que esté ligada a tu proyecto, cuál, ¿por qué?

Oh!:  “Nos gusta mucho llevar de la mano la música con las ilustraciones, creemos que las canciones tienen una historia que contar, y esto lo plasmamos en todo el arte de nuestros sencillos y EP a cargo de Lina Lot y Profe James“.

¡Escuchen aquí el primer EP de Oh! Cometa!

¡No olvides seguirlos en su Facebook  y Twitter!

La noche en que Godspeed You! Black Emperor nos hizo creer en Dios

Hacía ya más de 20 años que Efrim Menuck y compañía iniciaron una de las bandas más controversiales y oscuras que Canadá ha podido darle al mundo. Godspeed You! Black Emperor es descrito por la prensa como un colectivo poco social, atípico, con inclinaciones anarquistas y apolítico, un proyecto peleado con los cánones que establece la industria musical como hoy en día la concebimos. Pero sobre todo, que se ha mantenido firme a sus ideales desde su comienzo hasta ahora.

Este año será recordado en México con quizá el primero en que el post-rock hizo una monumental aparición en el país donde, además de tener por primera vez a distintas bandas del género que nunca habían tocado antes o algunas regresaron después de años de haberse presentado, pero lo más increíble (personalmente hablando), Godspeed You! Black Emperor, pilares del género y que lo trascienden al fin visitaron nuestras tierras.

Sus presentaciones estuvieron a punto de ser canceladas por los sucesos que azotaron al país durante el 19s, sin embargo los promotores tanto de Guadalajara y CDMX no quitaron el dedo del renglón y reagendaron sus conciertos en ambas ciudades para la mitad de diciembre.

Fue así como el pasado 13 y 14 de diciembre dieron conciertos que no podemos describir de otra manera que ¡épicos! En el Sala Corona y el C3 Stage, el primero como apertura de las actividades que el Festival Aural presentaría durante ese fin de semana y el segundo un show memorable y acogedor junto a los mexicanos Vyctoria, a quienes el mismísimo Efrim les produjo este año su álbum Ahora veo más claro.

A partir de aquí, debo aclarar, que empieza la reseña del concierto de un muy grande fan de la banda, así que la mayoría sino es que todas las opiniones son completamente personales y con una amor ciego a la banda, dispense usté.

Carlos Marks y Tajak, ambas bandas mexicanas, hicieron bien su chamba para calentar motores la primera noche y darle paso a los canadienses a deleitarnos con tracks de su nuevo álbum Luciferian Towers y un par más de tracks aislados. Por un lado es de celebrar ver que bandas que en algún momento tuviste en tus festivales, le abran a bandas que admiras sobremanera. Hablo precisamente de Tajak, quienes estuvieron en el Friendstival del 2016 y aunque no tuve oportunidad de verlos en este show, los comentarios que se escuchaban entre bandas eran bastante buenos.

La magia de GY!BE comienza desde los primeros sampleos y ruido blanco que suenan antes de que todos suban al escenario, casi cinco minutos o más de sonidos en lo que Sophie Trudeau toma su violín y empieza a agregar más capas. Pronto los demás miembros van tomando su instrumento; es impresionante cómo le van dando forma a sus melodías uno a uno, cómo el bajo, las guitarras, percusiones, violín y batería se van uniendo en una pangea sonora.

Algo que esperas como buen fan, es que toquen alguno de los tracks que más te hacen vibrar, personalmente tenía una tonta expectativa de escuchar algo del Yanqui U.X.O, mi álbum favorito, o “Sleep” o ya mínimo “Storm” del Lift Your Skinny Fists… “East Hastings” era evidentemente la más esperada por todos… tampoco pasó. Pero bueno, no corrimos con tanta suerte, y era de esperarse, ya que los shows que han estado dando durante el año siguen una línea y están estructurados para tocar el nuevo álbum de principio a fin con un par de tracks extras, lo cual se disfrutó bastante y en realidad pudimos prescindir de cualquier “hit”, pues GY!BE no es una banda de hits ni una banda complaciente, es lo que hay y como quiera lo vas a disfrutar.

Dicho esto, lo que presenciamos en ambos shows fue una experiencia religiosa, si pudiese decir que en algún momento estuve tan cerca de dios fue durante la hora y treinta minutos de concierto que nos brindaron estos canadienses. Era como una experiencia religiosa, o un ritual, satánico o religioso, da igual. La forma en que la que están acomodados en el escenario es un círculo, la mayoría sentados y algunos de pie, como si de una secta se tratase y estuviesen llevando a cabo algún rito.

El público sabe qué onda, mantenerse callado es la primicia, y si alguien habla o grita, nomás hazle “shhhh”, que deje disfrutar y agarran el pedo. Algunos no podían contener la excitación y dejaban que las lágrimas recorrieran su rostro, otros se aferraban a su pareja, mientras algunos más levantaban sus puños o manos cual encuentro espiritual. Yo sólo ponía un poco de atención a la ejecución de cada miembro al principio de cada track, veía como la palabra “HOPE” se proyectaba y cerraba mis ojos para que mi cuerpo se dejara llevar por la música a lo largo y ancho de cada canción. Me mecía al ritmo de la batería, a veces de la guitarra, mi cuerpo ya no era mío, le pertenecía a los ocho cabrones que estaban en frente y que lo movían a placer a través de sus instrumentos. No había necesidad de abrir los ojos, sabías que estaban ahí, como un ente, la música traspasaba la barrera sonora y se convertía en algo sensorial, que escuchabas en tus oídos, pero sentías en la piel, retumbaba en tu pecho y te revolvía el estómago.

Los tracks de GY!BE son esencialmente largos, con una estructura bien trabajada, que va en crescendo, desde pequeños sonidos de violín y/o guitarra hasta un estruendoso orquestal donde todos y cada uno de los instrumentos suenan al mismo tiempo, tocando las mismas notas, pero lo más interesante está, en que, por más fuerte, por más estruendoso, puedes apreciar todos y cada uno de los detalles de cada ejecución, aplausos para el ingeniero de sonido.

El segundo día tuve más oportunidad de abrir los ojos y apreciar el discurso político que la banda representa en sus proyecciones en imágenes de guerra, encuentros violentos en la calle, mitines, marchas y una fascinación por los trenes. Todo esto proyectado en dos pantallas y jugando con colores en vivo que le daban una tonalidad al escenario ad hoc para lo que estaba sonando. En algún momento nos sentimos en 28 days later cuando el escenario se tiñó de rojo y la música sonaba tan fuerte que los tapones para los oídos ya no sirvieron de nada.

La oscuridad y misticismo de la banda es igual de sublime, ni una sola maldita palabra, cero, ellos suben y a lo que van: a tocar. No hay necesidad de interactuar, el público sabe a lo que viene y tampoco está a expensas de recibir ni un “gracias”. Por el contrario cada que terminaban un movimiento los elogios no se dejaban esperar, “son unos putos genios”, gritos de júbilo y aplausos acelerados era lo que la banda recibía con exaltación, ellos por su parte a lo mucho asentían con la cabeza.

La ejecución: impecable. Un amigo que tiene una increíble banda llamada The Polar Dream, me decía al final del concierto: “te juro que yo no puedo hacer sonar una guitarra de esa manera, todo suena tan fino, hasta te hace sentir como calientito”. Y es que cada miembro es uno con su instrumento, se dejan llevar, cierran los ojos, se entregan tanto a él como pocos músicos lo hacen y el resultado es un deleite para el oído. El tocar Luciferian Towers de principio a fin también fue un gran acierto, ya a medio concierto sentíamos el cerebro un tanto revuelto, nuestro cuerpo apenas y se mantenía en pie y todavía faltaba lo mejor.

El final no pudo ser mejor, tenemos dos canciones de su primer EP Slow Riot for New Zero Kanada, “Moya” y “BBF3”. Al final de “BBF3”, el estruendo en nuestros oídos nos ponía la piel chinita, éramos uno con Godspeed y su música, ellos nos guíaban por el mar rojo y nosotros como buenos fieles nos dejábamos ir como gorda en tobogán. No había nada que nos impidiera comunicarnos, el lenguaje musical en su máxima expresión, el llanto no cesaba, los rostros fascinados e incrédulos de lo que nuestros ojos y oídos después de tantos años al fin estaban presenciando. Los gritos de júbilo se mezclaban con los sonidos agudos que salían del violín y las guitarras, la batería y el bajo eran una marcha de 100,000 personas peleando por sus derechos en cada país del mundo, era una bomba atómica cayendo en Hiroshima, La planta nuclear de Chernobyl explotando, las Torres Gemelas desplomándose durante el 9/11, eran la guerra fría, los errores humanos representados en sonidos, sin palabras, era tu corazón queriéndose salir del pecho, era tu cabeza explotando, tu conciencia diciéndote que sí existe un ser supremo , que creas, Godspeed You! Black Emperor está ahí y es real.

En el segundo show, en Guadalajara, viví esto pero bajo la influencia del LSD, nomás dense una idea.

#WMPGigs: Siddhartha grabó su primer material en vivo

Texto: Alejandra Salcedo Fotos: @monceymrh

El extenso tour Únicos está por concluir y Jorge Siddhartha cerró con broche de oro su antepenúltima presentación del año. La cita fue el pasado 14 de diciembre en un íntimo recinto de la colonia Condesa. Ahí, el músico compartió con alrededor de dos mil personas las distintas etapas de su carrera. La cual ya está más que
consolidada en la escena indie de nuestro país.

El Auditorio Blackberry fue testigo de la grabación del primer en vivo del compositor, estreno que promete ser una edición muy especial para los presentes que experimentaron diversas atmósferas a lo largo del show. Sobretodo para aquellos que se están adentrando a su sonido por vez primera gracias al acercamiento que
hay en redes sociales, y que permitió a varios afortunados conocer al intérprete en una convivencia previa al concierto.

Siddhartha junto a su sobresaliente banda y equipo: Erick en el sintetizador, Chubaka en el bajo, Raúl en la guitarra y Orlando en la batería; emitieron buena vibra y emoción para transportar al público a un viaje lleno de nostalgia y emotividad. Se percibió la satisfacción y felicidad del grupo en relación a la favorable reacción de sus fans, que coreaban sin excepción las más de veinte canciones del afable
concierto. Así como la notable calidad de audio que tendrá su próximo material.

El recorrido musical inició de una forma envolvente con los primeros acordes de “Ser parte” en conjunto con la iluminación y audiovisuales que acompañaron las melodías. De manera planeada Siddhartha configuró varios cambios de guitarra entre canciones, para darle un guiño diferente a cada rola, sin perder la esencia
original. Además de tocar algunas de forma continua, sin cortes entre una y otra, creando curiosidad en los oyentes ya expectantes.

La piel de muchos se erizó al escuchar temas como;  “Control”, “Tonight” o “Why you”?  y recordar la época en que disfrutamos y solicitamos estas composiciones en la radio pública o al reproducir el CD. Tras sonar varios de los éxitos de discos como: El vuelo del pez y Náufrago, llegaron nuevos clásicos como “Fuma” y “Loco”. Temas que en su versión de estudio son colaboraciones con amigos, como Technicolor Fabrics y Caloncho.

La fase final del evento fue dedicada al último álbum, complaciendo la petición de ejecutar “El chico”, la canción más solicitada por los fans desde un principio. Llegando así el momento climax de despedida, con una versión inédita de su próximo sencillo a lanzar “Únicos”.

Para finalizar la velada Siddhartha pidió a la concurrencia desbordar toda su energía y dentro de varios años siendo más viejos, reconocerse en el video con cariño como lo harían ellos. Asimismo no se bajaron del escenario, sin antes tomarse la ya tradicional selfie con la audiencia, retrato capturado por Toni Francois. La
reconocida fotógrafa ha contribuido a construir la historia del rock nacional con noches memorables como ésta.

Te compartimos el setlist de la noche.
Ser Parte
El aire
Tus pupilas
Domingo
Tonight
Extraños
Infinitos
Why you?
El poema y la caja
Nunca es nunca
El día
Ecos de miel
Control
Bacalar
Fuma
Náufrago
A la distancia
Loco
Una noche tranquila
Tarde
Volver a ver
El chico
Únicos

Mejores álbumes del 2017

Se nos va el 2017 y en su paso nos deja joyas musicales que quedarán marcadas a la historia. Ya sea rock, hip-hop, electrónica o cualquier otro género, el material completo de un artista forma parte importante en su carrera.

Aquí te compartimos nuestros favoritos del año:

DAMN.Kendrick Lamar

El cuarto material largo del rapero estadounidense  Kendrick Lammr resalto por la variedad de productores que tuvo, DAMN. se posicionó  como numero uno en los Billboard 200.

I See YouThe XX

En febrero bajo el sello Young Turks, en el cual trabajaron con  Rodaidh McDonald, entre los temas que resaltan en este trabajo son: “I Dare You”, “Lips”, “Say Something loving”, entre otros.

Humanz – Gorillaz

Este quinto material largo contó con la participación de Vince Staples, Kali Uchis, Pusha T, Grace Jones, etc. Y fue producido por Gorillaz, The Twilite Tone y Remi Kabaka.

Lotta Sea Lice – Courtney Barnett y Kurt Vile

El 13 de octubre bajo Matador Records, este dúo de compositores nos presentaron su primer material juntos, mismo que estuvieron promocionando en Estados Unidos.

A Deeper Understanding – The War On Drugs

Una joya de principio a fin sin duda alguna, este cuarto material largo fue publicado el mes de agosto bajo Atlantic Records. Entre las canción más sobresalientes resalta: “Thinking of a Place”, “Holding On”  y “Pain”.

HNDRXXFuture

En febrero de este año escuchamos completo HNDRXX, el sexto material largo del rapero americano Future.  En el cual resaltan los géneros hip-hop, R&B y avant – pop.

Is This the Life We Really Want? – Roger Waters 

Esta es la cuarta producción del británico Roger Waters, el cual contó con la producción de Nigel Godrich y salió bajo Sony Music Entertainment.

Painted Ruins – Grizzly Bear

Después de cinco años sin publicar nada, los americanos de Grizzly Bear regresaron con Painted Ruins, su quinta producción discográfica.

My Old ManMac Demarco

Después de presentaron los sencillos “My Old Man” y “This Old Dog”, el cantante y escritor Mac Demarco estrenó el 5 de mayo My Old Man junto a  Captured Tracks.

Spirit – Depeche Mode

Aunque este material fue producido en el 2016, fue hasta este 2017 cuando décimo cuarto álbum salió a la luz bajo la producción de James Ford.

4:44 –  Jay-Z

El rapero americano Jay-Z, ganó el Premio Grammy por Álbum del Año con este decimotercero disco, el cual salió bajo Roc Nation.

Mejores discos de Sony Music en 2017

Residente – Residente

Fecha de lanzamiento: 31 de marzo

René Pérez Joglar también conocido como Residente  se realizó una prueba de ADN para saber quiénes eran sus antepasados ​​y descubrieron que es un ciudadano del mundo por lo que emprendió un viaje por varias partes del globo terráqueo para conocer sus raíces genéticas y sonoras. Con esa premisa, decidió utilizar su identidad molecular para crear las canciones que forman su primer álbum como solista.

Rimas sobre bases tribales, beats y la guitarra frenética de  Omar Rodríguez López . El homónimo, que su creador afirma no es el más original; pero sí el más sincero, fue grabado y producido en Electric Lady Studios de Nueva York.

Musas  –  Natalia  Lafourcade

Fecha de lanzamiento: 5 de mayo

Musas es un capricho musical que permite a la cantautora mexicana volver a su intimidad, este compuesto por 12 canciones que incluyen cinco de autoría de Lafourcade y siete versiones de temas de compositores como Violeta Parra , Roberto Cantoral y Simón Díaz .

El séptimo álbum es un homenaje a la música folclórica latinoamericana donde fue producido por  Los Macorinos  (Juan Carlos Allende y Miguel Peña), el cuatro venezolano y la jarana de  Gustavo Guerrero , el percusionista  Martín Bruhn , así como  Ximena SariñanaJuan Manuel TorreblancaHéctor Castillo y Cheche Alara .

Something to Tell You –  Haim

  

Fecha de lanzamiento: 7 de julio

La mezcla de rock suave como Fleetwood Mac y The Doobie Brothers con el toque seguro de la guitarra y las percusiones, así como los destellos de R & B inundan los temas que conforman el segundo álbum del trío de California.

La producción estuvo a cargo de Ariel Rechtshaid y Rostam Batamanglij , ex miembro de Vampire Weekend.

Unpeeled –   Cage the elephant

 

Fecha de lanzamiento: 28 de julio

“Muchas veces agregas capas de sonido intentando esconder algo detrás, y lo que no ves es que esa vulnerabilidad y esa desnudez puede ser lo más irresistible e interesante de la canción”, asevera Matt Shultz sobre su quinta producción discográfica.

Unpeelded fue grabado a lo largo de una serie de espectáculos intimos en ciudades como Los Ángeles, Washington DC, Knoxville y Nashville en donde la agrupación originaria de Kentucky, Bowling Green se presentó con arreglos de cuarteto de cuerdas y percusiones adicionales. Incluye 21 pistas: 18 canciones curadas de sus cuatro álbumes pasados ​​además de tres covers en los que destacan “Instant Crush” de Daft Punk que el quinteto reversión remplazando los sintetizadores por un conjunto de cuerdas.

 Ayo – Bomba Estéreo 

 

Fecha de lanzamiento: 11 de agosto

Ayo , que en lenguas arhuacas es el nombre de la hoja de coca, fue producido por Chris Castagno  y  Ricky Reed  en Minca, un caserío de la Sierra Nevada de Santa Marta, y Los Ángeles. En él se mezcla la cumbia, la champeta, el pop y el reguetón.

Su quinto material discográfico está formado por 10 cortes. Su primer single “Duele”, cuyo video tiene más de 2,2 millones de reproducciones en YouTube desde su lanzamiento a mediados de junio, es un crudo himno de despecho, que fusiona sus características con sonidos electrónicos y caribeños con ritmos del Medio Oriente.

Pained Ruins –  Grizzly Bear 

Fecha de lanzamiento: 18 de agosto

Texturas, evocaciones, términos cinematográficos y paisajes surrealistas. Pained Ruins es un toque de sobrecarga sensorial en la instrumentación que crea canciones que no son caminos rectos, sino series de zigzags. 

El quinto álbum de estudio del cuarteto de Brooklyn, producido por Chris Tylor y compuesto por una vez canciones, fue principalmente en Allaire Studios y en algunos lugares de Los Ángeles como Terrible Studuos. La mezcla corrió una carga de Sawn Everett y la pasterización de Joe LaPorta en Sterling Sound.

American Dream – LCD Soundsystem

Fecha de lanzamiento: 1 de septiembre

Siete años después de su vencimiento LCD Soundsystem regresa con una mirada al pasado de toques dance setenteros, sintetizadores ochenteros y guitarras chillantes desde su más recóndita esencia punk.

El cuarto álbum de estudio de los originarios de Brooklyn, Nueva York está conformado por 10 canciones y está grabado en varios estudios como DFA Studios, Strongroom Church, Lanark Studios y B-Side Studios.

Concrete and Gold   –  Foo Fighters

Fecha de lanzamiento: 17 de septiembre

El noveno álbum del quinteto de Seattle, que está conformado por una vez canciones, fue producido por Greg Kurstin y grabado en los estudios EastWest de Hollywood.

Rasgueos de guitarras distorsionadas, sintetizadores, autotune, gritos post-hardcore y los estribillos épicos, de esos que nos gustan corear a todo pulmón en un concierto, crean la “versión la Sgt Pepper hecha por Motorhead”, afirma Dave Grohl .

Juan Atkins oscilando entre los verdaderos sonidos de Detroit

Texto: Ergar Chávez  Fotos: Cortesía Distrito Global

Para romper el frío que ha invadido la ciudad se necesitaba de una buena sesión de beats, algo fuera de lo cotidiano y que mejor excusa para ello que ir a bailar con la música de Juan Atkins. 

Pasadas las 12, White Visitation se encontraba calentando el lugar con una sesión totalmente apegada al techno en su forma más industrial y veloz que tal vez para el horario era un tanto agresivo. 


Mientras el lugar acumulaba mayor audiencia la espera se hacía fatídica, pero alrededor de las 2 y media de la mañana por fin podíamos ver a Juan Atkins un tanto serio detrás de las tornamesas.

A partir del primer track el DJ conectó a público con autoridad, pasando por momentos entre el house y el techno.

Sacando la artillería pesada en formato vinil, Atkins demostró que su experiencia lo hacía capaz de llevar al público por diferentes ritmos y sonidos, siempre respetando su indiscutible estilo. 


Entre rostros conocidos y sobre todo un público muy dispuesto, se demostró una vez más que la escena de música dance en la ciudad ha tomado un auge y comprensión cada vez mayor, no solo por los actos mayormente demandados, si no por propuestas emergentes y sonidos clásicos de cada género del dance como lo es la música de Juan Atkins. 

 

Siddhartha estrena emotivo video para el tema  “A la distancia”

Por:Alejandra Salcedo

Este ha sido un año de mucho dinamismo para el músico y compositor tapatío Siddhartha. Dentro y fuera del país, una vez más mostró un reflejo de sí mismo presentando su último álbum Únicos.

Como ya es costumbre, nos ofrece un disco cocinado “a fuego lento” en la intimidad, sin pensar en complacer a un público o una disquera. El material esta lleno de detalles, donde cuida cada elemento tanto musical como gráfico. Por lo que nuevamente colaboró con Unlimited Films para crear el videoclip de su tercer sencillo “A la distancia”, grabado en los paisajes tropicales de Baja California.

 El emotivo video ya disponible, dirigido por Cristóbal González Camarena tuvo la producción de Marisol Sahagun,  y la impecable fotografía de Taylor Campos. Para Siddhartha como para muchos de sus seguidores la música es un medio de sanación y una manera de liberar energía negativa. A través del viaje que es la balada con aires setenteros “A la distancia” nos da un mensaje de esperanza tras una dolorosa ruptura entre el lazo que une a dos personas, al ser capaces de soltar y seguir su vida en paz. Manteniendo los recuerdos y los momentos Únicos dentro.

¡Disfruten del visual!

El autor menciona que la percepción cambia al ver esos hermosos y paradisiacos panoramas coloridos del norte de México convertidos en blanco y negro, volviéndolos desérticos y llenos de añoranza. Dándole un sentido más sensible y melancólico al cortometraje. Tras un conmovedor show en la pasada FIL de Guadalajara, el tour despide el año de la mejor manera con un concierto muy particular el 14 de diciembre en el Auditorio Blackberry ubicado en CDMX. Una de las agradables sorpresas de este día se debe a que se documentara el evento en su totalidad para reunirlo posteriormente en un material audiovisual. Sin dejar de lado el setlist que abarca todas las etapas del trayecto que ha consolidado a Siddhartha como un referente del rock actual.

Mejores memes en 2017

Meméxico.- Llega el fin de año y con el nuestra necesidad de hacer un conteo de lo mejor que vimos, escuchamos o sentimos durante la jornada anual. Entre ellas y personalmente la favorita es recordar todos esos memazos (ya sea estáticos, gifs y/o videos) que nos hicieron tirar carcajadas brutales a diestra y siniestra, incluso en los momentos menos apropiados.

Sin fijarnos mucho en cuál fue el mejor (eso lo dejaremos a su criterio a través de una votación), aquí les dejamos una serie de imágenes y videos que seguro disfrutaron igual que nosotros.

Joya regiomontana, el crossover con Amar te duele no tiene precedentes.

King Gizzard & The Lizard Wizard ha tenido un año increíble a nivel lanzamientos, mientras Tame Impala sólo lanzó un box set con rarezas de su Currents. Aquí la mejor versión ilustrada. (Ambas bandas nos gustan, no se agüiten.)

 “Yo mero, tu carita toda preciosa”, este memazo terminó en algo inesperado.

Los memes de perritos nunca han faltado en nuestras vidas, pero hubo uno en particular que nos hizo sacar muchas sonrisas de esperanza.

Tenemos un meme de Peña Nieto, no menos, como cinco. 😉

¡¡¡Ahhhhh, me está picando, banda!!!

Aunque el video de Lady Coral Blanco fue publicado a finales de 2016, su mame se dio a lo largo de los primeros meses del año que está por finalizar.

Las investigaciones para encontrar a la persona detrás siguen activas.

Este mexicano promedio es un poeta callejero.

El juego de la manita fue todo un suceso. Lo viste, we. 😛

El año pasado fue un pato con sandalias, este año llegó el gallo con tenis, ¿qué sigue un avestruz con botas?

Acariciar perritos nunca fue tan cagado y divertido. 

The Neighbourhood, no teníamos idea de los fans mexicanos

Texto: @remxrkxble
Fotos: @YamilethMoncerrat

Eran las 3:50 p.m. Me bajé del Uber para entrar por la puerta trasera del Plaza Condesa. Las manos me temblaban aunque por la chamba acostumbro tratar con personalidades famosas, no obstante esta vez era diferente. Se trataba de la banda que me acompañó por una de las etapas más difíciles de mi vida, su música me hizo capaz de sentir el dolor y pasión y con el tiempo me ayudó a liberarme. Gracias, The Neighbourhood

Llegamos a la recepción y nos encontramos a Julián (su fotógrafo), un mexicano que ha trabajado con ellos desde hace un par de años, platicamos con él. Nos llamaron para entrar a la sala de catering, subimos las escaleras y vi unas piernas vestidas con unos calcetines rojos que llamaron mi atención, se trataba de Mikey, quien estaba sentado a lado de Jeremy y Jesse.

De momento nos llamaron para entrar a una sala pequeña en la que estaban Zach y Brandon, me acerqué a ellos y extendí mi mano, “I‘m Diana, nice to meet you“ le dije a Brandon y él se acercó, besó mi mejilla y se presentó, después me giré hacia Zach quien me dio un pequeño abrazo, “Let‘s get started“ les dije, y nos sentamos.

Dian: ¿Qué los inspiró para hacer su nuevo EP “To Imagine”?
Zach: Honestamente, estábamos en el estudio escuchando música electrónica muy heavy y solo salió.

D: ¿Cuál es su canción favorita del EP?
B: Amigo, ¿cuál es mi canción favorita? [risas] ¡Compass! Hay una canción llamada “Compass” y es un rolón muy bueno.
Z: No lo sé, me gusta “Dust” y hay otra que se llama “Stuck with me”, hay buen contenido.
B: Sí, todo el EP es bueno, sólo cinco canciones, no es mucho.

D: No puedo esperar para escucharlo, y bueno, me gustaría saber ¿con quién les gustaría colaborar la próxima vez?
Brandon: [piensa]
D: Si pudieran elegir a quien sea, ¿quién sería?
Z: Demonios, no lo sé…
B: [interrumpe] Paul Stanley, Gene Simmons [risas]. No, pero ya enserio, somos fans de muchos artistas, como raperos, Kendrick Lamar, Vince Staples… Travis Scott es muy cool y hay bandas como Tame Impala… ¡Kevin Parker es el hombre! Hay muchos artistas muy buenos por ahí con los que nos gustaría trabajar.
D: Creo que Kevin Parker es muy bueno y juntos serían un gran combo.
Z: ¡Sí! Totalmente.
B: Es un productor asombroso.

D: ¿Por qué se tomaron un descanso?, ¿estaban tratando de innovar su música, crear nuevos sonidos?
Z: Sí, estábamos…
B: [interrumpe] ¡Nos odiábamos demasiado! [risas]
D: ¿Ah sí? [risas]
B: Nah, bromeo.
Z: Hemos estado haciendo música en el último año.
B: Necesitábamos tomarnos un tiempo para hacer lo nuestro.

D: Va una pregunta random, ¿Por qué empezaron a postear fotos a color en vez de blanco y negro?
Z: [piensa] ¿por qué hicimos eso? [risas]
B: No, o sea, estábamos mezclando con un montón de cosas para la siguiente campaña. Sólo estamos añadiendo cosas aquí y allá para hacerlo diferente a lo que normalmente hacemos.
Z: Digamos que hicimos una mezcla.

D: En fin, ¿por qué se tardaron tanto en venir a México?
Z: Lo sé, lo que pasa es que nosotros tenemos gente que se encarga de agendar nuestras presentaciones, sólo nos dicen como “Oye, ve a tal lugar” y México salió.
B: No me había dado cuenta de que teníamos una fanbase aquí.
Z: No así de grande.

D: Es gracioso porque tienen muchos fans aquí, México tiene el segundo lugar con más oyentes en Spotify.
B: Oh sí, México y São Paulo.
D: Sí, São Paulo tiene el primer lugar, ellos siempre  los están invitando, les responden “VENGAN A BRASIL” en cada tweet [risas].
B: ¡Lo sé, lo sé! [risas] es muy divertido.

D: Pero, ¿qué opinan de sus fans mexicanos? ¡El show de ayer estuvo loco!
Z: ¡¿Verdad?!
B: Fue asombroso.
D: Yo estaba ahí, casi me matan.
B: ¡No es cierto! [risas]. Es loco, un lugar adorable, les gusta la música y lo demuestran, es muy cool.
D: Muy apasionante.
Z: ¡Totalmente!
D: Bueno chicos, me alegra que la hayan pasado muy bien, sé que el show de hoy también estará increíble, marquen mis palabras.
Z: ¡Eso espero, gracias!
D: Muchas gracias por venir y por su tiempo, regresen pronto.
B: Absolutamente, ¡lo haremos!

Versión en inglés 

Dian: What inspired you to make the EP “To Imagine“?
Zach: Honestly, at that time we were just listening to super heavy electronic music, we were on the studio and it just came out.

D: What’s your favourite song from “To Imagine”?
Brandon: Dude, what is my favourite song? [laughs] Compass! There’s a song called “Compass” and it’s a jam!
Z: I don’t know, I like “Dust” and there’s another one called “Stuck with me”, there’s good stuff.
B: Yes, the whole EP is cool, just five songs, it’s not too much.

D: I can’t wait to listen it, and I wanna know, next time who would you like to collaborate with?
B: [mmmm]
D: If you could choose whoever you want, who would it be?
Z: Damn, I don’t know
B: [interrupts] Paul Stanley, Gene Simmons [laughs] not really, but we are fans of so many artists, such as rappers, Kendrick Lamar, Vince Staples, Travis Scott is really cool, we also like bands like Tame Impala, Kevin Parker is the man, there are so many good artists out there
D: I think Kevin Parker is really great and it would be an awesome combo.
Z: Yes! Totally.
B: He’s an amazing producer.

D: Why did you take such a long break? Were you guys trying to make new sounds?
Z: Yes, we were…
B: [interrupts] We hated each other so much! [laughs]
D: Oh really? [laughs]
B: Nah, just kidding.
Z: We’ve been making music for the last year.
B: We had to take our time to do bunch of stuff.

D: Here’s a random question, why did you started posting stuff in color instead of b&w?
Z: [thinks] Why did we do that? [laughs]
B: No, like yeah, uh we’re just mixing it up with a bunch of like different stuff for the next campaign and stuff like going forward, we’re just adding new things here and there just to spice up what we normally do.
Z: We kinda mixed it.

D: Why did you take so long to come to Mexico?
Z: Yeah, I know, but we, you know, we have people who book shows for us, and they say  “hey, go there” and then Mexico came out.
B: I didn’t realize we had a huge fanbase.
Z: Yeah, not this amount.
D: That’s funny ‘cause you have a lot of fans right here, Mexico has the second place of listeners on Spotify.
B: Oh sure, Mexico city and Sao Paulo.
D: Yeah, Sao Paulo is the first one and they are always inviting you there, like “COME TO BRAZIL!” on every tweet response [laughs]
B: I know, I know! [laughs] it’s so funny, love that.

D: But well, what do you think about mexican fans? I mean, yesterday the show was sick!
Z: I know right!
B: It was amazing!
D: I was there, they almost killed me!
B: No way! [laughs] it’s crazy, a lovely place, seems like they really like the music [sigh]. They like the music and you can see it, it’s really cool.
D: So passionate.
Z: Totally!

D: Well guys, I’m glad you had a great time and today’s show it’g gonna be incredible, mark my words.
Z: I hope so, thank you!
D: Thank you so much for coming and for your time, come back soon
B: Absolutely, we will!

Mejores actos en vivo durante 2017

Adiós al año viejo, 2017.  Antes de despedirlo, y aunque parezca trillado, hay que recordarlo por lo bueno que nos dejó, musicalmente hablando. Para los seguidores de WMP, sabemos lo importante que es el debate entre la comunidad, es por eso que su voto será tomado en cuenta para decidir lo mejor de lo mejor que hubo en 2017.

Para los mejores actos en vivo, tenemos a los siguientes nominados (el orden no tiene relevancia):

Sigur Rós

Las dos fechas de Sigur Rós en el Auditorio Nacional son de lo mejor del 2017. Ya sea que hayas asistido a una o a ambas, estoy segura de que no pudiste evitar soltar una lágrima (o varias) con tan hermoso show de luces e interpretación de los islandeses.

Foto: Miguel Lozano

Underworld

¿Amantes de la electrónica? Ver a uno de los proyectos más legendarios del género era un must este año en Festival Ceremonia. Sí, se cambió al domingo, pero la mayoría hizo el doble trayecto para admirar a Bjork (no se engañen). El de Underworld resultó ser uno de los shows más prendidos. No importando su longevidad,  Karl Hyde y Rick Smith lograron encender la fiesta con beats que, más allá de sonar a clásicos, fueron llevados a otro nivel en vivo.

Holy Wave

Nrmal es una comunión de bandas de culto que cada año nos deja con buen sabor de boca. Si bien, Holy Wave ya había pisado escenarios en México, el show que dieron este año rebasó altas expectativas. La clave se encuentra en los visuales que, gracias al dios de la psicodelia, fueron añadidos por The Mustachio Light Show, dándole color y movimiento a todo. Psicodelia en su máximo esplendor.

Deafheaven

Aquí es necesario hacer una reflexión. ¿Fue 2017 el año en que fueron recibidas muchas bandas legendarias?, ¿nos sorprende o no?  No solamente hablando en cuestiones de lanzamientos de álbumes, sino en experiencias en vivo. Deafheaven también ha visitado a sus fans mexicanos, pero el show del Plaza Condesa junto a MONO fue brutal, no hay más.

Foto: Toni Francois

Kendrick Lamar

Para algunos,  viajar a Monterrey para presenciar el show del rapero No. 1 a nivel mundial, fue prioridad este año. Kendrick Lamar se mostró vulnerable ante el público del Hellow Festival, pero logró su cometido: un setlist fino, que incluyó temas de HUMBLE, la placa que lo hizo llegar al TOP de artistas del año, mismo con el que hizo arder a todos en la ciudad del cabrito.

Foto: Gisela Terrazas

La Femme

La agrupación de krautrock proveniente de París regresó a México para ofrecer un show en El Plaza Condesa, esto tras el sismo del 19 de septiembre, por lo que los ánimos estaban muy por mal. El show resultó ser toda una fiesta, misma que ellos dedicaron a México y su fortaleza de seguir adelante.

Foto: Gisela Terrazas

Interpol

Banks y compañía dieron una vuelta al mundo para conmemorar el quinceavo aniversario del Turn On The Bright Lights este 2017. México formó parte de esa gira, brindando dos fechas en Pepsi Center WTC en la CDMX.  El juego de luces tan similares a las del arte de la portada del susodicho serán recordadas como uno de los highlights de este año que se va.

Foto: Toni Francois

Cage The Elephant

La primera vez es inolvidable, y así lo hicieron los hermanos Shultz y compañía en su primer visita a México, como parte del lineup del Corona Capital. Matt Shultz se adueñó del escenario y Brad del público, cuando al terminer su setlist se le vió por ahí entre la gente, disfrutando como si él mismo fuera un simple mortal.

Foto: Gisela Terrazas

The XX

Definitivamente este fue el año de The XX. Visitaron un par de veces tierra mexa. Por cuestiones de audio, su presentación del Corona Capital destacó más que la del Pabellón Cuervo. En cuanto a producción visual, quedamos muy satisfechos, es una joya verlos en vivo y brillando con sus colores a favor de #LoveIsLove.

Foto: Gisela Terrazas
Foto: Gisela Terrazas

Grizzly Bear

Cinco años de espera para recibir el cuarto álbum de Grizzly Bear y, coincidencia o no, tenerlos de regreso en México al mismo tiempo. Su show en Corona Capital fue majestuoso, conmovedor hasta las lágrimas, íntimo y de una calidad en interpretación e instrumentalización que no olvidaremos nunca.

Foto: Gisela Terrazas

Phoenix

Oh, la lá.  Los amos del baile Phoenix editaron este año Ti Amo, su sexto material de estudio y tocaron dos veces en México. La primera ocasión fue en el Coordenada en Guadalajara, justo al verlos tan bien preparados y con un montaje artístico de otro nivel, ya nos dábamos una idea de qué nos esperaba en Corona Capital. La tierra temblaba, literal, durante su presentación en el Autódromo Hermanos Rodríguez. ¡Gracias, Phoenix!

– @wearephoenix Los quiero mucho. 💕💕 #CC17 #CoronaCapital17

A post shared by Yamileth Moncerrat (@monceymrh) on

LCD Soundsystem

Por último, pero no menos importante. LCD Soundsytem también fue de los actos en vivo favoritos de todo el año. Aunque ya los habíamos visto en Corona Capital 2016, este año nos fuimos a Monterrey Hellow Festival para escuchar el American Dream completo y en directo: fue una fiesta enorme.

Elektro Guzzi

MUTEK se rifó como los grandes. A pesar de los cambios de sede y locación por el sismo del 19/09, superó expectativas. El trío austriaco Elektro Guzzi tuvo una presentación de techno completamente ensamblada en vivo y, en lo personal, fue un show único en su especie, más allá de actos como el de Nina Kraviz o Squarepusher.  Btw, no encontré registro en video, pero les comparto un live suyo:

Foto: Feli Gutiérres

Arcade Fire

Los últimos serán los primeros, oh sí. Arcade Fire brindó dos fechas en el Auditorio Nacional llenas de espectáculo, luces al máximo y contacto súper cercano con sus fans. Everything Now también fue editado este año y distribuido por Sony Music.

De verdad creo que México tuvo un año excepcional en el ámbito industrial del sector musical, ¿ustedes cómo lo vivieron?, ¿a cuál de estos conciertos fueron?, ¿cuáles se perdieron?, ¿por cuáles votan como mejores del año? Queremos conocer su opinión. Feliz fin de año. Nos vemos en 2018 con más visitas inesperadas como la de Franz Ferdinand y LCD Soundsystem en abril. 😉

Momentos Corona Capital 2017

Se mira tan cercana y lejana a la vez nuestra experiencia en la última edición del Corona Capital. En la que personalmente y a nivel team WMP disfrutamos sobremanera. Ya sea por los increíbles actos que vimos por primera vez o repetimos, o simplemente por la fórmula Ocesa que siempre termina por funcionar.

A manera de recuerdos de cómo las personas involucradas en este medio mágico musical vivimos estos dos días de caminatas, chelas, Dulces Vero, frío, experiencias ultra sensoriales y demás, les hicimos un recuento más personal de nuestras vivencias. Seguro alguno de nuestros lectores se identificará con más de una. Los aportes son de Bere, Gisela, Monce y Kevin y los ubican por sus iniciales. 😉

SÁBADO

K: Como podrán notar la puntualidad no es una de nuestras cualidades, y aunque intentamos llegar temprano, el primer acto que tuvimos oportunidad de presenciar fue Joseph, unas morritas muy bien arregladitas de Oregón que se robaron bastantes miradas en su presentación. Nos deleitaron con un folk bastante agradable con el que pudimos darle un buen inicio a nuestra aventura.

En el recinto ya conocido podíamos caminar por las curvas y disfrutar de una exposición de carteles (de mis favoritas) de varios artistas gráficos de todo el mundo, encabezada por los ya conocidos Mercadorama (quienes tuvimos en todo momento presente en el festival ya que no faltaron los que vestían la controversial sudadera de “Mexico Is The Shit”).

Entre activaciones de sponsors (nuestro favorito fue tener Dulces Vero pa’ventar pa’rriba) y las áreas de comida (a mi parecer bastante completas) llegamos a Daugther, un acto sublime y un poco fuera de contexto por la hora y el festival per sé, pero bueno, seamos honestos, ¿de qué otra manera podríamos ver a esta chulada de morra en México? Ojalá Ocesa considere traerlos el próximo año solitos.

Ya entrados en vientos gélidos y una que otra chevechita, fui a toparme a los Mogwai, quienes a pesar de que eran una de las bandas que personalmente más esperaba, su show en vivo dejó mucho que desear. Sí, su sonido muy bonito y bien amarrado y todo, pero dónde dejan el dinamismo, ¿un jueguito de luces? ¿Unos visuales pa’contrarrestar que sean unas tablas? Bueno, de menos si cerrabas los ojos y usabas unos buenos tapones pa’los oídos podías dejarte llevar por la majestuosidad de “Rano Pano”.

B: El metro en hora pico no preparó a la gente para lo que viviría el sábado en el escenario Doritos. Minutos antes de que Metronomy subiera al escenario, las personas ya no podían mantener el equilibrio. Invadían torpe y desesperadamente el espacio personal, se mimetizaban como cardumen en olas que violentamente intentan llegar a la costa “el escenario”.

La falta de espacio no fue excusa para sacudir frenéticamente el piso al ritmo de “Back Together”, “Miami Logic”, “The Bay” y “Love Letters”. La intensidad llegó a tal nivel que Joseph Mount, incrédulo, tuvo que pedirle al público que se tranquilizara un poquito.

El cambio de backline entre los ingleses y Cage The Elephant fue un slam colosal sin música, adornado por los gritos de aquellos que se sentían prensados en la multitud. Matt Schultz salió con una bandera de México en hombros, frenético saltaba, bailaba, se revolcaba en el piso, se desprendía de la ropa, bueno, hacía suya la curva cuatro del Autódromo.

En “Ain’t No Rest for the Wicked” la última canción de su setlist, el guitarrista, Brad Schultz se aventó a la multitud, nadando entre los fanáticos. Papeles grises volaron en el escenario. Se despidieron, pero no sin antes prometer que volverían pronto. La brutalidad y entrega en la tarima reafirmó el amor de sus fans y cautivó a los neófitos del garage.

M: Siendo fan o no de los británicos The XX, el live act que traen se disfruta de principio a fin. Rommy Medley, Oliver Sim y Jamie XX se complementan en el escenario de una forma mágica. Durante su participación conmovieron a sus fans entre un viaje de temas nuevos y éxitos.

Su show comenzó con “Intro” junto con “Crystalised”, adentrándonos en un ambiente que solo ellos logran crear. Siguieron con canciones de su reciente producción On Hold, como “Lips”, “Say Something Loving”, “I Dare You”, entre otras.
Su escenario estuvo acompañado de luces y lasers, mismos que contextualizaban una noche llena de suaves melodías junto a la dulce voz de Rommy y los prendidos sets de Jamie XX. Durante su acto Jamie interpretó el cover para “Loud Places” prendiendo el baile en la pista. The XX nos marcó está edición del #CC17, cautivando a todos con su gran talento.
B: Minutos antes de que dieran las once, algunas personas poco a poco comenzaron a irse al escenario Corona para ver a Foo Fighters, los verdaderos fanáticos, esos aferrados que desde Metronomy intentaban llegar hasta enfrente del escenario Doritos permanecieron hasta los últimos segundos en los que Jamie xx se adueñó de la tarima donde realizó improvisaciones repletas de beats, perfectos para doriloquear.
Domingo
G: Todos los actos tuvieron un común denominador en el escenario: la bandera tricolor de México. ¿La razón? Este año no hubo vasos de cerveza brandeados con el arte del lineup oficial, no, este año contenían la leyenda: “Siempre hemos podido”. Porque ni la gente, ni las marcas, ni el marketing olvidan que fue difícil recuperar la normalidad después de lo sucedido el 19/11/17… Volviendo a la bandera, fue muy reconfortante ver que todos los artistas tenían muy presente ese hecho que, fue digno de celebrarse con palabras de amor, unión y humildad. La vibra entre la gente se sintió más cordial, a diferencia de otros años.
K: Dua Lipa fue entre mame, una morra bien entregada y el fan enamorado de su carita toda preciosa. Una chica que a su corta edad sabe manipular un escenario, llevarse de boca a binarios y no binarios y deleitarnos con un show digno de repetirse en un futuro no muy lejano.
Acto seguido estábamos viendo a un Jonathan Pierce bastante amanerado y majadero con sus nuevos bandmates. Creo que no wa olvidar ese momento que después de terminar “Heart Basel” le gritó “¡No!” en el micrófono a su bajista que trataba de decirle algo. La tensión se comenzó a sentir durante los siguientes temas “Days”, “Money”, “Bloody Under My Belt” y no fue hasta “Best Friend” que Pierce se acercó le dio un beso en la mejilla y con ademanes le pidió disculpas a su bandmate, quien en repetidas ocasiones le hacía caras y señas mientras éste se paseaba frente a él cantando. Aún con todo esto logramos disfrutar de una presentación un tanto forzada de The Drums.
Grouplove fue un acto inesperado: una escenografía grotesca (en el buen sentido), una banda de garage con una visión muy clara de su sonido, su interacción con el público y su acto en vivo. A pesar de que sólo logramos ver el final de su presentación, quedamos bastante satisfechos con el desenfreno de su presentación y el recibimiento del público. Justo nos dejó en el mood para recibir algo más melódico y excéntrico: Grizzly Bear.
Lo de Grizzly fue algo fuera de serie. Pa’empezar logramos irnos hasta casi adelante cosa que nos hizo darnos cuenta de la destreza y el dinamismo de sus miembros, ahondaremos sobre eso un poquito más adelante. Resulta ser que estábamos a unas 20 personas de la valla de contención, delante de mí había un homie que se dio un pasón de ¿algo? Y se nos desmayó, lo ayudamos a llegar hasta en frente para que los de seguridad lo llevaran a enfermería y todo siguiera en orden. Frente a nosotros los osos grizzly ya daban muestras de su increíble acto en vivo.
Un Ed Droste muy casual (con pants y hoodie) se paseaba con bailes agradables de un lado a otro, para finalizar en el micrófono y darnos una dosis de vocales que no podemos definir de otra forma que… sublime. En ese momento comencé a valorar el poder de la voz o de un vocalista per se, algo que siempre había infravalorado. No es como que cualquiera pueda cantar y mucho menos lograr ciertos tonos, sino que tu cuerpo es tu instrumento, lo tienes que cuidar, sobre todo tu garganta, pues de otra manera podría serte imposible pararte frente a un escenario.
Mientras divagaba con la importancia de la voz en una banda, ellos ya nos habían deleitado con tracks como “Losing All Sense”, “Yet Again”, “Fine For Now” y la majestuosa “Ready, Able”. El público, en su mayoría fans de Phoenix (que esperaban su turno para cantar y bailar), dejaban a los verdaderos fans de GB cantar y moverse de un lado a otro al ritmo de estas complejas melodías.
Aún me cuesta digerir al 100% este show, cada personaje metido en sus instrumentos, sí, porque nadie se limitaba a uno. Empezando por Daniel Rossen que con guitarra, teclado y su genuina voz nos deleitó en todo el set. No sé ustedes, y quizá estoy diciendo una barbaridad, pero por la destreza, ejecución, perfección y complejidad de sus guitarras, lo podría poner a nivel de guitarristas como Robert Fripp de King Crimson.
Pero la mención especial es para Chris Taylor que en “Sun In Your Eyes” demostró la destreza y el genial manejo de sus instrumentos intercambiando entre bajo y saxofón en segundos. En ese momento pudimos observar a Ed anonadado quien a su vez observaba con risa sorpresiva los cambios que su bandmate hacía en cada parte de la rola, y es que, créanme, verlo hacer malabares con instrumentos era un deleite a la vista y al oído.
Un acto sin precedentes que fácil llega a nuestro top de los mejores del año.
G: Alt-J se queda en el top de mejores actos en vivo con respecto a producción e iluminación. Cada acorde, coro, cambio de melodía, el escenario cobraba vida de mil maneras posibles, esto gracias al perfect timing de las luces. ¿Quién será la persona encargada de esto? No lo sabemos, pero le aplaudimos. Alt-J en escenario Corona Light fue un show que nuestras pupilas no olvidarán.
K: Phoenix junto a Grizzly Bear era uno de los actos que más esperaba en este Corona. Desde Wolfgang Amadeus me convertí en fiel seguidor suyo, aunque debe confesar que antes del WAP y en el Ti Amo no les sé muy bien. El punto es que Bankrupt! es EL DISCO y Phoenix es LA BANDA. Desde que se suben al escenario comienzas a sentir una vibra súper amigable y entregada.

De entrada el increíbles escenario que se montaron fue algo surreal, una pantalla a sus pies proyectaba unos visuales INCREÍBLES que se reflejaban en un espejo enorme encima de ellos colocado como entre 60 y 70 grados para que el público lo pudiera observar en todo su esplendor. Hubo personas que incluso no entendían cómo funcionaba este “proyector” y pensaban que la pantalla era lo de arriba.

Pero bueno, lo mejor viene después. Número uno, nunca había visto a Phoenix, punto número dos, no sabía realmente qué esperar. Pero ellos ya saben bien qué pedo “A ver, Corona Capital, necesito que me des hora y media de show, me pongas a cerrar un escenario y me pagues mi producción enorme pa’darle un show increíble a los mexas que tanto queremos”. Y así fue. Desde “J Boy” y “Lazo” el frío se nos olvidó y al menos hasta donde mi vista alcanzaba a llegar todo mundo gritaba, cantaba y bailaba frenéticamente. En “Entertainment” de mis tracks favoritos del Bankrupt! la emoción recorría todo el cuerpo, no imaginaba que tocarían tantas canciones de ese disco.

La magia de Thomas reside en que canta y medio rapea, sus canciones son de líricas largas y con una increíble métrica y juegos de palabras, eran una cura ver a la gente washawasheando sus letras y tratando de seguir la letra. El piso/pantalla seguía dando de qué hablar, no sé qué onda con el wey que armó los visuales, pero cada canción tenía un juego de luces que empataba con los sonidos de los instrumentos y la voz de Thomas, una de mis partes favoritas fue cuando empezó “Trying To Be Cool”, todo estaba apagado y empezaron a sonar los primeros acordes hasta que llega el sintetizador y su logo se prende al ritmo de éste, no sé si fue por los psicotrópicos que traía encima, pero se me hizo mágico ese momento. Pero mi sorpresa más grande fue cuando tocaron “Drakkar Noir”, mi rola favorita del mentado disco y que jamás creí que escucharía en vivo.
Les decía, Phoenix es esa banda que se puede dar ciertos lujos, o mejor dicho, los que ellos quieran, pues a medio set se aventaron un medley de sus canciones instrumentales “Love Like a Sunset 1” y “Bankrupt!” es como cuando ves a tu banda clavada y esperas que toquen una de las rolas que menos te imaginas, pero nunca llega. Phoenix lo hizo y aunque la gente estaba medio sacada de onda, los que sabían que pedo se balanceaban al ritmo de estos sonidos más atmosféricos. ¡Qué delite!
La fiesta siguió con varias del Ti Amo para terminar la primera parte del set con un “Rome” un tanto atropellada, pero estos weyes saben manejar bien las crisis, y en todo momento involucraron al público con las fallas de sonido para que fuéramos nosotros quienes les diéramos la última palabra de si la viz de Thomas sonaba bien.

Regresaron con “Telefono”, “Flor Di Latte”, “1901” y cerraron la noche con “Ti Amo Di Piu”, para mí el Corona Capital había terminado en ese momento y no pudo haber tenido mejor cierre.

G: para muchos fue un acto digno de headliner, pero para otros fue una presentación exagerada (dos horas y media de show). Billie Joe Armstrong tiene la actitud, eso no se cuestiona, sin embargo, conforme pasaban los minutos, se le veía agotado, sin voz. Eso sí, lograron que el público explotara, cantara y hasta lagrimeara. Lo interesante: tres fans cantaron y tocaron junto a Billie en el escenario. Lo más importante: las palabras de Billie, habló del poder de las mujeres, que son capaces de conquistar el futuro político y social; mencionó la fuerza que tiene México y, lo último, le tiró mierda a Trump. ¡Medallita de oro a Green Day!