Category Archives: CLASSIC

Icons of the industry

Entrevista con Pixies en el marco de Glastonbury

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Pixies @Glastonbury

Después de presentarse en el festival más importante en el mundo -aunque no le guste a Coachella o Lollapalooza-, la revista NME charló con Black Francis y David Lovering de The Pixies. Con Glastonbury como fondo. en un cómodo sillón adaptado tras un escenario con el resonante bullicio de una presentación al fondo, la mitad del legendario cuarteto de Boston habló sobre el mencionado show; ahí tocaron temas como la preparación física y mental antes de subir a un escenario -¿cómo habrá cambiado en la historia de una banda con casi 30 años de trascendencia y después de reunirse tras casi 20 de separación?-. En la conversación que pueden encontrar en el siguiente link, también contaron experiencias sobre cómo se sienten al tocar su nuevo material en vivo y cómo el púbico reacciona ante las melodías, lo cual es interesante conocer tras las críticas encontradas que ‘Indie Cindy‘ (primera producción del grupo en 23 años). Por si fuera poco, Black Francis revela una faceta poco conocida en su trayectoria al mencionar una novela gráfica en la que está trabajando con algunos demos de la música de la banda.

Si les interesa conocer un poco más de esta, visiten el siguiente link para que sepan como actúan estos maduros Pixies en una entrevista en vivo:

Murió Johnny Winter en Suiza

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Murió una de las leyendas más importantes del blues mundial: Johnny Winter. El músico y productor, originario de Texas, murió hoy en Zurich, Suiza, a los 70 años de edad. Winter, conocido por haber compartido escenario a lado de Jimi Hendrix y Muddy Waters, ser parte del mítico festival de Woodstock de 1969, amigo de John Lennon (para quien además escribió la canción “Rock and Roll People”), e inspiración para Mick Jagger y Keith Richards -quienes le dedicaron el tema de 1973 “Silver Train”-, fue una verdadera leyenda en la historia de la música.

Nació como John Dawson Winter III el 23 de febrero de 1944 en Mississippi, pero creció en Beaumont, Texas. Ahí empezó a tocar el clarinete a los 5 años de edad para después cambiar a la guitarra unos cuantos años más tarde. Su momento llegó cuando, abriendo un show para Mike Bloomfield en 1968, Winter atrapó la mirada de Columbia Records para después firmarlo con un adelanto de £400,000.

Johnny Winter, al igual que su hermano también músico Edgar (Edgar Winter Group Fame) era albino e identificado por su enorme cabellera rubia y ese sombrero de vaquero del que todos nos acordamos. A finales de los años sesenta, se presentó en varias ocasiones con Janis Joplin, de quien fue pareja también. Además de ser un músico fabuloso, él también ayudó a revivir carreras de amigos y músicos de blues como John Lee Hooker y Muddy Waters a través de colaboraciones que se convirtieron en ganadores del Grammy. Además, Winter produjo tres álbumes para Waters: ‘Hard Again‘ (1977), ‘I’m Ready‘ (1978) y ‘King Bee‘ (1981), así como el álbum de 1979 ‘Muddy “Mississipi” Waters‘ en vivo.

Johnny sufría de una terrible adicción a la heroína en la década de principios de los setenta y aunque logró mostrar señales de estar recuperado, en los noventa estaba cegado con antidepresivos, vodka y metadona. En 2011 lanzó un álbum titulado ‘Roots‘ con versiones de clásicos como “Maybelline” de Chuck Berry y “Dust My Broom” de Robert Johnson, e incluyó colaboraciones de Warren Haynes y Vince Gill. En conjunto, logró hacer más de 20 discos, recibió siete nominaciones al Grammy, fue nombrado el guitarrista Nº63 en la lista de los 100 mejores de todos los tiempos por la revista Rolling Stone e incluso, a los 70 años de edad seguía tocando alrededor de 200 fechas al año. Winter estaba preparado para lanzar un nuevo álbum más titulado ‘Step Back‘ en septiembre de este año. Sin duda fue una de las figuras más memorables del blues y de la música en general. El mundo extrañará verlo con su guitarra, pero su música vivirá por siempre.

Descanse en paz, Johnny Winter.

 

 

Buddy Guy – “What You Gonna Do About Me (Feat. Beth Hart)”. #TrackDelDía

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Hoy destacamos a una de las guitarras más icónicas del blues mundial y a un personaje que tiene una presencia en el escenario como ningún otro dentro del rubro, sin importar sus 77 años de edad. Se trata de George “Buddy” Guy, quien apareció en este mundo en 1936 en la ciudad de Lettsworth, Luisiana. Guy tiene innumerables álbumes tanto en vivo como en estudio y ha tenido infinitas colaboraciones con sus compañeros de género y amigos como B.B. King, The Rolling Stones Eric Clapton, entre muchos otros. Para destacarlo, hoy seleccionamos “What You Gonna Do About Me”, tema que aparece en su más reciente material ‘Rhythm & Blues‘ lanzado en 2013 y que cuenta con la maravillosa voz a dueto de Beth Hart, quien podríamos decir que es la voz más parecida a Janis Joplin en nuestros tiempos. Un blues que tiene todo lo que debe llevar, riffs poderosos, melodías imponentes, instrumentación perfecta, voces excepcionales y claro, solos de guitarra. Una muestra de que el maravilloso y simpático Buddy Guy sigue haciendo música con la misma calidad que siempre y que a sus 77, parece estar más vivo que nunca. Además, es perfecta para empezar la semana y que se nos olvide que es lunes. ¡Disfrútenla!

Big Brother and the Holding Company feat. Janis Joplin – “Summertime”

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Cuenta la historia que durante la grabación del álbum ‘Cheap Thrills‘ de Big Brother and the Holding Company, Janis Joplin estaba tan empeñada en que el álbum sonara bien que era la primera en llegar al estudio de grabación, así como la última en salir. El resultado redituó en un nivel que ni ella imaginaba; por un lado, el trabajo de siete canciones tenía tres de las más icónicas en el legado de Janis y Big Brother and the Holding Company (“Summertime”, “Piece of My Heart” y “Ball and Chain”), por el otro lado, su figura se hizo más emblemática que la del resto de sus compañeros. El compromiso y entrega de la vocalista resultaron en su eventual motivo para abandonar al conjunto, pues tal álbum fue la última producción que la texana realizó con el grupo. Dos años después, murió por una sobredosis de heroína y se convertiría en una de las figuras más representativas del rock & roll de los años setenta.

Ryan Adams nos ‘da algo bueno’

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Ryan Adams no es un compositor predecible, aunque su música pueda parecerlo. Este brillante compositor de Carolina del Norte se basa en el estilo ‘Americana’ para pasear su sonido por el blues, el folk, el rock -y en ocasiones-, hasta el metal. uno de sus géneros favoritos. Tres años después de lanzado ‘Ashes & Fire‘ -su última producción discográfica-, Ryan vuelve con nuevo material.

Este se llamará igual que él (‘Ryan Adams‘), y tiene prevista su salida para el próximo 8 de septiembre. Para ello, ya lanzó el que será su primer sencillo llamado “Gimme Something Good”, una canción potente cargada de guitarras orientadas al rock y la expresiva voz del ex-Whiskeytown. El track fue grabado en los estudios Pax-Am, propiedad del mismo Adams donde ha editado algunas producciones propias e impulsa talentos nuevos.

Escuchen el nuevo sencillo de este prolífico músico:

Manic Street Preachers enseña ‘Futurology’ completo

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A fines de abril, Manic Street Preachers anunció el lanzamiento de ‘Futurology‘, su doceava producción de estudio. Este álbum saldrá a la venta la próxima semana, pero están tan ansiosos de enseñar este nuevo material que decidieron lanzar un sampler que contiene las canciones del álbum en un clip de 23 minutos. Durante este tiempo, se podrán apreciar segmentos de las trece canciones que dan forma a la producción, el cual augura otro éxito en el trayecto de una de las bandas más importantes en Gales. Para que calmen el ansia por escuchar el álbum -al igual que este brillante trío-, escuchen el mencionado sampler a continuación:

Para mayores referencias, revisen nuestra nota sobre el lanzamiento de ‘Futurology‘:

http://twmp-com-mx.mx.devel.i.smehost.net/2014/04/29/la-futurologia-de-los-manic-street-preachers/

47 años del Monterey Pop Festival

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Hoy en día muchos esperan con ansias desenfrenadas la llegada de festivales como Coachella, Lollapalooza, Corona Capital, Bonnaroo y Glastonbury, entre muchos otros que se realizan año con año alrededor del mundo; aunque muchos tienen una calidad impresionante en cuanto a la alineación que conforma su cartel, no hemos vuelto a vivir uno como el que estamos por revivir hoy.

Se trata de uno de los festivales más trascendentes en la historia de la música: el Monterey Pop Festival de 1967 inaugurado un día como hoy en Monterey, California, Estados Unidos. Y para los que se preguntan ¿y qué tiene de especial este festival a comparación con otros? Aquí les decimos porqué lo estamos recordando a 47 años de haber sucedido.

Un 16 de junio, la ciudad de Monterey en California recibía a más de 200,000 personas que estarían por vivir algo sorprendente en la historia de la música; “Purple Monterey”, como lo catalogaron gracias al consumo de estupefacientes como el LSD y la marihuana (que eran las drogas de moda durante la década de los sesenta) fue testigo de tres días de magia; todo gracias a la organización realizada por John Phillips de The Mamas & the Papas. Dentro del cartel hubo invitados de la talla de Janis Joplin quien tuvo su primera gran actuación en público; Ravi Shankar, quien fuera el único artista invitado al que le pagaron por su estancia y participación en el festival ($3,000 dólares). El resto del dinero de los ingresos fue utilizado para donarlo con fines de caridad y ningún otro artista recibió un sólo centavo por actuar ahí. Otis Redding también estuvo ahí con la particularidad de aparecer ante una audiencia que en su mayoría eran de color blanco, cosa que no había hecho antes en su país natal. En cuanto a actuaciones, lo más recordado es el famoso volado para ver quien actuaba primero, si The Who o Jimi Hendrix, quienes eran los actos más esperados del festival, que además tenían actos similares por culminaciones similares rompiendo guitarras y destruyendo el escenario.

The Who terminó actuando primero y ocurrió lo que todos esperaban: ver a los ingleses volverse locos para que el escenario estallara al finalizar su presentación. Ellos pensaron que Hendrix no iba a superar eso y que habían sido el mejor acto de la noche; pero para el originario de Seattle no fue así y cuando llegó el turno de The Jimi Hendrix Experience (quienes además fueron presentados por Brian Jones, miembro fundador de The Rolling Stones). El mundo fue testigo de una de las noches más memorables en la historia del rock n’ roll cuando,justo al final de su acto al interpretar “Wild Thing” (canción escrita por Chip Taylor y que originalmente fue interpretada por The Troggs) empezó el histórico ritual vudú en donde Hendrix incendió su guitarra a la vista de todos para después romperla. Era algo nunca antes visto en un concierto, algo que sin duda había superado cualquier sorpresas que pudo haber causado The Who en un festival de música. Años más tarde, Hendrix volvería a hacer historia con el himno de los Estados Unidos en 1969 durante el festival de Woodstock.

Fue un festival que reunió a miles de amantes de la música, que tuvo presentes a ejecutivos de diferentes compañías discográficas destacando la firma de The Big Brother & The Holding Co. con Columbia Records tras su actuación en el festival a lado de Janis Joplin y Otis Redding en ese mismo sello. Redding moriría meses más tarde. Festival que tuvo a Hendrix gracias a la insistencia de Paul McCartney para ser invitado al festival. A Eric Burdon y The Animals quienes también interpretaron una canción titulada “Monterey” que hacía referencia a quienes actuaron ahí durante esos tres días (The Byrds, Jefferson Airplane, The Grateful Dead y los mencionados anteriormente). Fue un festival que contó con apariciones de grandes bandas de rock psicodélico quienes no destacaron como deberían por apariciones de los gigantes como Hendrix, Janis y The Who, entre ellas: The Association, los mismos Jefferson Airplane con su brillante voz principal a cargo de Grace Slick, Country Joe & The Fish, Moby Grape, Quicksilver Messenger Service y muchas más. Además, fue un festival que, aunque no fue el primer festival de rock realizado (el primero fue la Feria Fantasy & Magic Mountain Music, Festival en la cumbre del monte Tamalpais en el condado Marin, el 2 y 3 de junio), inspiró a otro de los festivales más importantes en la historia de la música: Woodstock.

Razones sobran para destacar el Monterey Pop Festival, un festival único y lleno de artistas que por algo han trascendido dentro de la historia de la música y del rock. A continuación les compartimos algunos videos con las presentaciones más destacadas de esos tres días llenos de magia, drogas, amor y excelente música. Felices 47 años Monterey Pop Festival, y a Hendrix, Joplin y Redding que están allá arriba: gracias por entregarse de esa forma mientras estuvieron entre nosotros. Y ojalá que pronto volvamos a vivir algo así en alguno de los festivales que se realizan cada año. Disfruten esta joya.

Yann Tiersen presenta ‘Infinity’ en el D.F.

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Yann Tiersen es impecable músico que conocemos por el soundtrack de películas como: ‘Amelie‘, ‘Good bye Lenin!’ y ‘Alice y Martin’; películas que sin sus vibrantes composiciones no serian las mismas. Este músico francés  presentara esta semana en el D.F. su 8vo disco, ‘Infinity‘, álbum en el crea música a partir de lo análogo y lo digital. De acuerdo a Tiersen este trabajo es una fusión de los sonidos de Islandia y Bretaña. En él, juega con el concepto de un viaje redondo, un viaje de ida y vuelta entre Islandia y Bretaña que combina ambas tecnologías, así como el sonido de instrumentos clásicos con base electrónica y agrega voces sinfónicas que traen resultados perturbantes. Esta octava producción cuenta con colaboraciones espectaculares entre las que sobresale el nombre de Aidan John Moffat.

Las presentaciones en el D.F. serán el domingo 25 y lunes 26 en el Teatro De La Ciudad.                                                                                 Boletos aquí:

http://www.ticketmaster.com.mx/Yann-Tiersen-boletos/artist/1171181

Escuchen el disco completo en Spotify:

 

Tracklisting

∞ Infinity

Slippery Stones

A Midsummer Evening

Ar Maen Bihan

Lights

Grønjørd

Steinn

In Our Minds

The Crossing

Meteorites

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Carta de Uili Damach -de los Esquizitos- para escuchar ‘Indie Cindy’ de Pixies

Hace algunas semanas, recibí este mail de Uili Damach -guitarra y voz de Los Esquizitos, así como experimentado locutor desde los tiempos de Rock 101 y actualmente, ‘Raw Power’ de Ibero 90.9, entre muchos otros talentos- en el que explicaba muy a su manera ‘Indie Cindy’, la más reciente producción y regreso discográfico de Pixies. Además de aleccionar sobre la forma en que se debe apreciar el contexto y trabajo del cuarteto de Boston, explica con claridad un contexto que ha sido ignorado para la llegada de este trabajo, así como su sonido. Tras consultarlo con Uili, decidí que publicar el correo de manera íntegra sería la mejor manera de comentar este nuevo álbum de una de las bandas más laureadas de aquel que se auto-denomina “melómano”. Sin más, aquí está el texto, del cual sugerimos en WMP que saquen sus propias conclusiones.

Atte.

Rodrigo Fernández de la Garza “Fo”

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“Me adelanto a decir que para los que sólo con “Gigantic”, “Monkey goes to heaven”, “Head on” (cover de Jesus and Mary Chain) y “la de fight club” (“Where is my mind?”) asumen que “este es un bandón”, “es un clásico” y “no me los puedo perder aunque me aburren todas las que no conozco”, ‘Indie Cindy‘ es y será un álbum malo y aburrido hasta que no se ponga una de sus rolas de moda.

Para los que hayan tenido la curiosidad de oír el resto de las canciones, de sus 5 álbumes y un EP (¿tantos?), los lados B de los sencillos, los álbumes de Kim Deal con las Breeders (¿ella quién es y qué tiene que ver?), los varios álbumes del cantante Frank Black con y sin The Catholics -más de 17 en estudio, http://bit.ly/1sLSN2c), las grabaciones de Joey (Santiago) el guitarrista, con The Martinis y de David Lovering con Tanya Donelly (una Breeders), entenderán que este no es un nuevo “disco de los éxitos que a todo mundo le gusta de Pixies“, sino una muy interesante evolución ligada a las experiencias personales de cada integrante, y coherente con el camino que tomó la banda desde ese discazo que a nadie le gusta oir llamado ‘Bossanova‘ y ese último que se amontona en las tiendas porque nadie compra llamado ‘Trompe Le Monde‘, mismo que sepultó la primera parte de su carrera… allá en el ’91.

Las letras vuelven a hablar del espacio y porno duro (¿a poco hablan de eso?); la herencia de Beach Boys resurge en melodías dulcísimas vestidas con una base rítmica y guitarras MUCHO MÁS MACIZAS QUE SIEMPRE.

El grupo está completamente en forma y el disco se debe “dejar crecer en uno” dándole dos o tres pasadas -cosa casi imposible en días de guasap, feis y chuirer-.

Finalmente, al que le gusta, le gusta y al que no, no tiene por qué fumarse un petardo de unos rucos que “a mí no me hablan”.
Ya lo dijo Dan Le Sac & Scrubbious Pip en “Thou Shalt Always Kill”: The Pixies is just a band.

Pero si tenemos que “Pitchforkear” como si de eso dependiera dejar huella de nuestro paso por la crítica especializada: Al diablo con los Pixies si no consigo entrar gratis a su show y regrésenme a mi Nicolas Jaar, que con eso hasta los Sicario me dejan pasar al ‘Mono’.
No se claven (así como yo aquí), es 2014 y hay mucha música nueva qué atender.
uilidamach

Homenaje a Frank Sinatra a 16 años de su muerte

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Uno de los motivos por los cuales la música nunca deja de sorprender, es porque siempre está llena de sorpresas y los covers son parte fundamental de esto. Lo interesante es que nunca se sabe qué cover podremos escuchar próximamente ni quien estará a cargo de su realización. Ayer, con el lanzamiento del nuevo tema de Bob Dylan en el que rinde homenaje a “Full Moon and Empty Arms” de Frank Sinatra, decidimos recopilar destacados covers que se han hecho al más grande de la música crooner. Hoy, a 16 años de la muerte de “Ol’ Blue Eyes”, les presentamos algunas reversiones que creemos dignos de escuchar por sus extraordinaria interpretación, así como el homenaje a una de las figuras más importantes del jazz y la música a nivel mundial.

Empecemos con el citado Bob Dylan, quien reveló el martes 13 de mayo un cover a la canción “Full Moon and Empty Hands”. En esta encantadora y tierna versión, Robert Allen Zimmerman recuerda al indudable ídolo de la música con esta y aprovecha para añadir misterio a su siguiente lanzamiento discográfico. La canción aparece como vídeo en su pagina oficial donde también aparece su imagen con la frase ‘Shadows in the Night‘, frase que podría ser -o no- el título de su próxima producción. La interrogante es si estará dedicado a covers, a Sinatra, o si este adelanto fue simplemente fue un capricho del renombrado artista folk.

Continuamos con un curioso encuentro en Nueva York:

El trompetista Chris Botti y el conocido guitarrista y compositor John Mayer, entablaron una conversación acerca de uno de los discos más importantes de Sinatra: ‘In The Wee Small Hours‘; un álbum que Mayer no conocía en ese momento. Después de un tiempo, se volvieron a ver y retomaron la plática acerca del disco. Mayer decía que no podía quitarse la sensación del ambiente que provoca escucharlo y les inspiró la colaboración para un concierto de Botti en Boston en 2009. Este disco genera un ambiente denso, triste y muy nostálgico, pero las melodías y las letras son muy honestas. El tema que decidieron hacer Mayer y Botti se llama “Glad To Be Unhappy”.

No conformes con eso, en una visita al aclamado programa estadounidense Late Show with David Letterman para celebrar el día de acción de gracias, ambos decidieron interpretar otro tema más de ese mismo álbum: el track homónimo (“In The Wee Small Hours”). Un tema que también ha sido interpretado por el famoso pianista y compositor contemporáneo Jamie Cullum. Si no conocen este álbum de Sinatra, es una buena forma de introducirse a él. En este día nublado, un clima perfecto para la nostalgia de este álbum.

Seguimos con Cake, quienes hicieron cover a “Strangers in the Night”. El resultado es un perfecto híbrido entre el estilo de la banda Californiana y el legendario estilo de Frank Sinatra. La canción proviene de su álbum B-Sides and Rarities del 2007, donde hacen covers a muchísimos artistas. La mezcla de la voz de John McRea, combinada con un toque de música contemporánea y una base de música orquestral resultó una mezcla inigualable. Es la balada perfecta para bailar con tu pareja, pero sin la sensación estar fuera de época. Cake también ha hecho covers a muchos artistas como The SmithsBarry WhiteGloria GaynorBlack Sabbath entre otros (el que más risa nos da es el célebre a “I Will Survive“, que hizo molestar bastante a Gaynor).

Para cerrar este pequeño homenaje a ‘Ol’ Blue Eyes’ ponemos esta versión a “Why Try to Change Me Now?“, a cargo de Fiona Apple. Esta es más un homenaje al compositor Cy Coleman, quien escribiera esta canción que apareció en el álbum ‘No One Cares‘ de Sinatra en 1959. La aterciopelada voz de la chica con ojos azules más encantadores hace que esta versión que recordamos por Frankie tome un tinte de delicadeza y se plaga de romanticismo; caso contrario a la descripción de Francis Albert, quien consideraba aquel álbum como una colección de “canciones para el suicidio”. Aunque el tributo de Fiona no fue de manera expresa a Sinatra, la interpretación es tan sublime que alcanza el nivel de la legendaria voz -en una versión que rinde tributo en entonaciones y proyección vocal-.

Hay incontables versiones a temas interpretados de forma original por Frank Sinatra, y seguramente el número seguirá en ascenso. ‘Ol’ Blue Eyes’ siempre será esa voz legendaria, que enmarca el concepto del auténtico ‘crooner’, así como el personaje mítico que tenía un encanto superlativo con las mujeres. Serán muchos los mitos en torno a su figura, pero también son demasiados los hechos que lo confirman como uno de los personajes más fáciles de idolatrar e inmortal seguro del mundo de la música. Podrá llevarnos a una época ajena a la que vivimos, pero su capacidad para conmover almas y tocar corazones es tan poderosa que difícilmente se podrá olvidar en la historia de este mundo moderno.

Como bonus, los dejamos con esta canción de Cake titulada “Frank Sinatra”, una canción nombrada a la legendaria voz.

Bob Dylan estrena cover a Sinatra

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En un halo de misticismo, Robert Allen Zimmermann lanzó un adelanto de lo que se espera será su nueva producción discográfica. Bob Dylan reveló un cover  a la canción “Full Moon & Empty Arms” -canción que escucháramos antes en voz de Frank Sinatra-, como un anticipo de un siguiente álbum. La canción aparece como vídeo en la página oficial del músico, donde igualmente aparece la imagen de Dylan con la frase ‘Shadows in the Night‘ (la imagen que está arriba). Podríamos intuir que esta frase es el título de la siguiente producción del experimentado compositor; sin embargo, en este momento no es una información que se sepa con certeza.

Por ahora,  si quieren escuchar esta versión de la leyenda del folk al clásico de Mossman y Kaye, visiten el sitio oficial de Bob Dylan:

www.bobdylan.com

Daniel Johnston, bipolaridad convertida en música. #Marvin14

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La corriente naif, se caracteriza por la ingenuidad y espontaneidad de —casi siempre— pintores autodidactas con una graciosa falta de conocimientos teóricos y técnicos. El término también se relaciona con otras artes; por ejemplo: en la música hay un peculiar individuo que se caracteriza por ser bastante ‘naif’; tanto en sus dibujos como en las letras de sus canciones muchas veces grabadas con cierta falta de recursos y conocimientos sobre música, impregnadas en esa torpe y flaca voz (un tanto caricaturesca) y una sucia manera de tocar la guitarra.

Daniel Johnston está atrapado en un mundo visceral trastocado por un trastorno bipolar que le ha provocado serios problemas de salud física y mental. Ni la Internet ni la vida en pareja formaron jamás parte de su entorno. A pesar de que hay grandes foros de discusión sobre él en la red y un sitio dedicado a todo su trabajo (manejado por su hermano), para Johnston las computadoras (y la tecnología en general)  son peores demonios que los que se le aparecen cada que compone una canción. Por su parte el amor nunca le fue correspondido —maldita “Laurie”; sin embargo, este trascendente personaje que nunca ha gozado de fama en vida —y que seguramente hasta después de su muerte será tomado en cuenta, así como muchos otros iconos de la música—, es admirado tanto por bandas legendarias como por un sin fin de seguidores en todo el globo.

La música de ‘la leyenda de Austin‘ ha influido en muchas generaciones por sus letras crudas, deprimentes y oscuras, mismas que cualquier artista daría lo que fuera por hacer; canciones con la verosímil facilidad de empatía, tal como el atormentado Johnston crea discos completos. Lamentablemente, su creatividad se ha estancado por dificultades de salud en las que en el caso del irónico ‘Fun’ —un álbum que no vendió más de 6000 copias y que fue producido cuando pasaba por una gran depresión—, le llevó a terminar la relación con la disquera Atlantic Records. Afortunadamente, hasta la fecha y pese a su condición mental, no hay obstáculo que el ídolo de Austin no pueda superar; viaja por todo el mundo y comparte sus excepcionales creaciones.

Este 17 de mayo, Daniel Johnston llega como acto principal al Festival Marvin en su cuarta edición. Realmente es un acto completa y altamente recomendable, ya que es muy probable que sea la primera y última vez que el más grande fenómeno pop y artista visual “outsider” americano pise tierra Azteca, por cuestiones de salud y edad. Él se presentará en el escenario del Salón Covadonga a las 7:45 p.m. y la entrada a este show será con un boleto adicional con costo de 200 pesos.
Más info: http://festival.marvin.com.mx/

Si quieren saber más acerca de Daniel Johnston los invitamos a ver el documental ‘The Devil and Daniel Johnston’ de Jeff Feuerzeig, aquí el trailer:


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“’Agent Cooper’me ayudó a encontrar el amor propio”. Entrevista con Russian Red

Texto: @josefore

Tuve que dejar a mi equipo de producción justo cuando terminó nuestra apresurada entrevista con DLD sin dar mayor explicación que tenía que estar con ella a la 1:40 de la tarde. Faltaban diez minutos y yo estaba en la misma colonia pero en el extremo contrario, en el estudio de la banda mexicana. Bajé las escaleras a toda prisa y esperé al portero para que me abriera. Cada segundo que transcurría, sentía cómo mi oportunidad de platicar con Lourdes Hernández se alejaba. El paso del tiempo no había pesado tanto en toda mi vida, e invariablemente las cosas -que no dependían de mí pero de las cuales yo dependía- se tomaban su tiempo con tranquilidad; como si justo ese día y en ese momento conspiraran en contra de mi reloj. Perdí la cuenta de cuántos minutos pasaron para que por fin un taxi se frenara frente a mí, y cuando le pregunté cuánto tiempo haríamos al Auditorio Nacional -donde sería la entrevista-, me consternó mucho su respuesta: “¡Uy, joven! Con este tráfico nos echaremos como media hora”. En ese momento apagué mi cerebro, pues no importara a cuántas revoluciones lo pusiese a andar, no me iba a ayudar en nada; por el contrario, sólo me iba a quemar el cráneo y dejar exhausto. Yo había hecho cuanto estaba en mis manos para llegar a la hora en que habíamos quedado para el encuentro, ¿o no? ¿Había alguna otra forma de transportarme más rápidamente? Aunque fuese así, ya era demasiado tarde como para considerarla. Ahora lo único que podía hacer era confiar en el destino, aunque ni siquiera esté seguro de creer en él. 1:50 y no había llegado. Tenía la esperanza de que me salvara algún retraso en la logística, algún desajuste de tiempos, lo que fuera. Lo mejor era regresar a mi estado vegetal de antes en el que simplemente era paciente y aceptaba lo que el tiempo me depare. Por fin llegué al cinco para las 2:00. “Quédese con el cambio”, le dije al taxista a la vez que brincaba las jardineras que están en frente del Auditorio. Corrí hasta el Lunario, donde me esperaba la artista española, y me recibió el coordinador de prensa de Russian Red en México diciéndome que me habían estado esperando, que la hora de entrevistas había terminado y ahora estaba por empezar la firma de autógrafos ahí mismo. Yo con el fiero ímpetu que traía y al que me había aferrado, le pregunté si no cabía la posibilidad de tener una muy breve entrevista con Lourdes al final de la convivencia con sus fans. Me contestó que iba a hablar con ella para preguntarle sobre aquella propuesta, pero que no lo garantizaba, pues eso dependía de su disponibilidad. Esperé mientras presenciaba cómo la gente que había venido de toda la república presentaba sus discos, pósters y playeras a Lourdes para que ella las firmara. Algunos a cambio le regalaban dibujos, joyería y otras peculiaridades. La cantante trataba a todos sus fans con mucho cariño y carisma; incluso después de las dos horas y media que duró la firma de autógrafos, conservaba ese buen humor, calidez y gratitud hacia sus seguidores. Cuando finalmente pasó el último fan, una persona del staff me dijo que sí me había concedido cinco minutos antes de ir a comer. Me acerqué a Lourdes, agradecí su concesión y me disculpé por el retraso, y aunque ella ya estaba agotada y hambrienta, me hizo entender que no se había molestado y me dijo que no me preocupara ya que ella tenía la noción de lo complicado que era manejar tiempos en la Ciudad de México.

En esos escasos cinco minutos de entrevista, tuve la oportunidad de un intercambio enriquecedor de información sobre la artista española.

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WMP: Anteriormente habías explicado que ‘Agent Cooper’ es un disco cuyo concepto principal es el amor. Trata de diferentes personajes que dan nombre a las canciones, y que el principal es Agent Cooper, quien encarna al amor ideal que has buscado durante toda tu vida. ¿Tiene este Cooper alguna relación con el Agente Cooper de la serie ‘Twin Peaks’? Si es así, ¿qué tiene que ver este personaje con el amor?

Lourdes Hernández: Sí, por supuesto que tiene que ver con el agente de ‘Twin Peaks’, es un personaje que me fascina sobretodo porque me inspira seguridad pero más que nada misterio, y justamente como estoy tratando con un amor perfecto que nunca ha llegado a mi vida quería hacer referencia a alguien que represente ese misterio.

WMP:Agent Cooper’ es la búsqueda del amor según tus propias palabras en el video de su presentación. Sabemos que en la realización de un disco es difícil tener la posibilidad de encontrar alguien que te de todo lo que deseas y necesitas, pero seguramente te topaste con muchas otras cosas en el proceso. ¿Cuáles dirías que son las cosas que más agradeces haber encontrado?

LH: Bueno, lo principal que descubrí en este proceso fueron diferentes caras y aspectos de mi persona que no conocía antes, que me ayudaron a crecer y que también me ayudaron a encontrar el amor propio, algo que finalmente no esperaba y que se puede considerar como el triunfo de esa búsqueda del amor. Tal vez no sea el amor que esperaba encontrar pero sin duda es un amor todavía más importante y que me va a acompañar por el resto de mi vida. También puedo mencionar a toda la gente maravillosa que conocí en el proceso del disco, y después de su lanzamiento a lo largo de mis viajes por todo el mundo. Aquí en México he conocido tantas personas invaluables, por ejemplo, que me llevaré en mis recuerdos. Son muchas cosas las que he encontrado desde que empecé a hacer este disco.

WMP: Si el tema principal de ‘Agent Cooper’ es el amor, ¿por qué decidiste que el arte estuviera relacionado con el espionaje e incluso aparecer con un arma en la portada?

LH: Yo escogí el arte como algo independiente al contenido lírico del disco. Sólo quería que cumpliera su función estética y que diera una primera impresión del nuevo sonido que estoy presentando, pero como te digo, sólo obedece a un valor estético que me gustó y no tienen nada que ver con lo demás.

WMP: Regresando al tema de estos personajes, uno de ellos es “Casper”, cuya canción trata del amor no correspondido y de una chica que está confundida. ¿Por qué escogiste esta canción como el primer single y le hiciste videoclip si trata de la parte mala y no deseada del amor?

LH: En realidad no me basé mucho en qué tanto tuviera que ver o no con el tema central del álbum. Escogí esa canción porque musicalmente es de mis favoritas y melódicamente parecía que iba a ser muy bien recibida por el público. Digamos que es una canción muy vendible.

WMP: ¿Cuáles fueron las diferencias entre trabajar con Tony Doogan en ‘Fuerteventra’ y Joe Chiccarelli en este último disco y quién identificas más con tu estilo?

LH: Básicamente el estilo, Tony me incluyó un poco más en el proceso de producción y respetó un poco más las maquetas que tenía de las canciones, pero Joe me ayudó a construir un estilo diferente que de alguna manera estaba en mis entrañas, que es precisamente lo que yo buscaba, y también tuve la oportunidad de estar presente en la producción con él y hacer las decisiones importantes, pero ambos tienen un estilo muy particular que le dio vida y sonido a cada uno de los discos, y son parte de mi desarrollo artístico. Para mi próxima entrega probablemente buscaré un estilo diferente con algún otro productor para continuar con ese desarrollo.

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Terminada la entrevista con Russian Red, mi cabeza se quedó con varias cosas que me impresionaron en su momento. La primera de ellas fue su belleza física natural, que aunque todos los que la conocemos por fotografías, en su caso particular es más guapa en persona. La segunda es su sencillez al tratar con las personas. En ningún momento mostró aires de artista inmaculada, por el contrario, fue atenta y agradecida con todos, aún con sus fans más encajosos. Y la tercera, la manera como me recibió después de haberla dejado esperando y tomar de su tiempo  de comida unos cuantos minutos. Más allá de ser Russian Red una gran artista, Lourdes Hernández es una excelente persona, que a pesar de tener todo para dárselas de diva, reconoce su equidad entre los demás.

Russian Red actualmente se encuentra en su gira por Europa después de haberse presentado tres fechas en México, las cuales fueron todo un éxito. Lourdes, a través de su cuenta de Facebook publicó “I MISS MEXICO BIG TIME”, además de declarar que regresará pronto. Esperemos que así sea.

Para más información sobre Russian Red, checa esta entrevista previa http://goo.gl/hWFXFm y visita sus redes:

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Romantisísmico: los sentimientos que te hacen temblar.

Entrevista y Texto: @fo_batman / @kevinfripp

La tierra a veces tiembla y también el corazón. Tiemblas cuando conoces a alguien que te gusta mucho, después de una escena de seducción y también cuando hay más contacto físico. El temblor del cuerpo es un efecto que se produce en estados de sobreexcitación y ansiedad: descargas de adrenalina corren rápidamente por el torrente sanguíneo y el cerebro no registra un desahogo de éste. El flujo de adrenalina se contiene, saturando el sistema nervioso y, eventualmente, los músculos se llenan de sangre que causan temblores, mayormente en las piernas y los brazos. Es un efecto complejo, pero que demuestra que el grado de excitación que se siente sobrepasa los límites.

Romances y sismos: dos palabras yuxtapuestas que Babasónicos utiliza en su más reciente material, al que llamaron ‘Romantisísmico’. Un álbum que expresa sentimientos que hacen vibrar. Los temas son una montaña rusa de sensaciones que fluyen por todo el cuerpo; van y vienen en las diferentes etapas del romance. En WMP tuvimos la oportunidad de entrevistar a dos miembros vitales de la banda: Diego Uma y “Panza”, los cuales se mostraron amigables a la hora de recordar las etapas en que comenzaban a dar shows en México.

Uma: “Una vez tocamos en un pasillo en León; Toño tocó en una baño y Gabo tocó en una pieza de al lado. La banda sólo se veía Mariano, Panza, medio hombro mío y Adrián” (risas).

Panza: “En otra ocasión hicimos un show en Aragón; había un festival en la calle, tocaba como principal Tijuana No. Nosotros llegamos con un colectivo y la gente vuelta loca nos movían el coche”.

Uma recuerda entre risas: “Entramos por unas casitas para llegar a la parte de atrás del escenario, y veíamos a abuelitas cocinando enchiladas, los nenes viendo la televisión y les pasaban todos los rockeros por delante. Esa fue la primera vez que comí enchiladas”.

Como es bien sabido, el país está lleno de acérrimos fans de todas las bandas -así sean diez o mil-, los “cualquierbanda-lievers” se entregan a su artista cual cristiano a Jesús. Babasónicos nos contó su opinión al respecto:

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Panza: “Más allá de las comparaciones -que no están muy bien a veces-, sí, como que los mexicanos son más ávidos del arte. En general, están esperando que uno venga a tocar. Y abren el corazón, digamos, más que en otros países, y eso se siente siempre que venimos acá desde el 95; desde entonces sentimos eso, que la gente estaba ahí con nosotros y eso es algo que se percibe. Incluso la gente tiene menos prejuicios y respeta al artista que sea que se suba al escenario”.

A pesar de su gran trayectoria, Babasónicos sigue teniendo aspiraciones y metas. Una de ellas es tocar en Japón, ellos lo contaron así. Panza: “Como en Alphaville, “Big in Japan”. Nos encantaría tocar en Japón, hemos tocado en Europa, en un montón de lugares, pero no hemos llegado a Asia”.

Uma: “Estamos cerca de lograrlo porque ellos son una cultura que absorbe todo lo de occidente,  quizás ya se pudrieron de lo anglo, y empiezan a agarrar lo latino; quizá tengamos más suerte ahora que son potencia”.

En su idea de hacer música, aún circula el sentido joven de la misma, siempre con visión madura la intención de superar sus propios logros.

Panza comenta: “Lo que queremos es siempre divertirnos y apuntar hacia un camino que nos proponga algo excitante. Esa es nuestra lucha interna como banda y eso se transmite hacia afuera”.

Uma: “Siempre tenemos que sorprendernos a nosotros, yo sorprenderlo a él, él sorprenderme a mí, las cosas a medias no nos gustan”.

Al igual que cualquier otra banda con muchos años en el medio, Babasónicos han tenido sus altibajos. Uno que tienen muy presente y que les dio inmensos dolores de cabeza fue durante la mezcla del álbum ‘Jessico’ (2001). Éste es su recuerdo:

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Uma: “La mezcla de “Deléctrico” duró 23 horas y pico; casi 24 horas sin dormir, sin descansar, sin nada. Y fue el último tema que hicimos de ‘Jessico’. Ya no nos daba más la cabeza, no podíamos entender qué era lo que le faltaba al tema para terminarlo. El productor es una persona que trabaja muy tranquilamente, es muy pacífico. Él no tenía ningún problema, incluso las 24 horas le venían bien. Lo último que recuerdo es ir cargando las cosas con Panza y con Gabo en los autos, partiendo con sol a las diez de la mañana con una comezón de haber mezclado todo el disco, pero estábamos súper contentos”.

Las transiciones no pasan inadvertidas en sus álbumes. El sonido fue tomando forma y se reflejó a cada salto que daban de un álbum a otro. Uno de los conflictos más grandes en encontrar un sonido -que diera pie a cambiar el estilo- y hacerlo un poco minimalista, se dio de ‘Miami’ a ‘Jessico’. Así lo cuenta Uma:

“Nos costó bastante trabajo pasar de ‘Miami‘ a ‘Jessico‘; intentar ser simples es muy difícil, y la idea era como que todos tengamos la menor cantidad de canales sonando a la vez y que simplifiquemos las melodías, las armonías. Fue algo que lo hicimos por puro gusto, pues no teníamos ni compañía en ese momento”.

Panza: “Ese fue un disco de un punto de inflexión, donde la banda nos encontrábamos con recursos mínimos, lo hicimos en una sala de ensayo que armamos por nuestra cuenta. Y, a pesar de todos los recursos mínimos, logramos un resultado enorme, eso fue un momento muy feliz”.

Los Babasónicos viven, de cierta forma, despreocupados; a sus fans siempre los tienen contentos, son muy creativos, cada álbum que lanzan se convierte en un hit y dan un show entregado cada que se suben al escenario. “A nosotros no nos preocupa tanto eso, sino hacer buenos discos que es lo más difícil, después si hacemos un mal disco es difícil que alguien lo venda”. Por todo esto “Los Babas” se han convertido en un referente obligado de la música en español que ha traspasado barreras.

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Para finalizar nos contaron qué significa para ellos WMP:
Diego: “A mí me parece una radio; me surge una distribuidora de datos, radio o emisora, pero no sé, falté al colegio ese día” (risas).
Panza: “A mí me parece la ‘W’ como al oeste, el Western, pero es algo que no es de aquí”.

Entrevista a Russian Red: la doble vida de ‘Agent Cooper’

Tuvimos la oportunidad de entrevistar a Lourdes Hernández en la víspera de su venida a la ciudad de México. Se estará presentando el 22 y 23 de marzo en el Lunario.

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La artista española Lourdes Hernández González eligió su seudónimo de un tono de lápiz labial con el que se sintió identificada. En esta entrevista nos habla de qué tenía en mente al momento de autodenominarse Russian Red. También nos habla de qué cambios internos y externos han ocurrido desde su segundo disco ‘Fuerteventura’ (2011) —con el cual consiguió el disco de oro en España y la premiación por los MTV Europe Music Awards como mejor artista española del año, y donde trabajó con Tony Doogan y Steve Jackson, Bob Kildea y Richard Colburn de Belle & Sebastian— a ‘Agent Cooper’ (2014) —producido por Joe Chiccarelli (The Strokes, White Stripes, My Morning Jacket, The Shins) en colaboración con Mark Needham (Fleetwood Mac, Pete Yorn, The Killers, Bloc Party)—el cual alcanzó el número 5 en ventas en España. Esto fue lo que nos dijo:

WMP: Tu nuevo material es muy diferente a lo que habías hecho anteriormente, cambiaste de hacer música tierna e introspectiva a una más agresiva. ¿Cómo surgió este cambio?

Lourdes Hernández: Supongo que cuando alguien hace algo a nivel creativo o para compartir con la gente, se ve reflejado su crecimiento personal en lo que hace, entonces no puedo asociar ese cambio a otra cosa que el relevo de determinados hábitos de la personalidad y una especie de proceso de fortaleza y de liberación. Supongo que he encontrado un sitio en el que estoy cómoda ahora.

WMP: Parece que cada vez te estás convirtiendo más en tu “alter ego”, por así llamarlo, Russian Red.

LH: Tal vez tengas razón. En ese entonces [‘Fuerteventura’ (2011)] el seudónimo Russian Red era una intuición de lo que podía llegar a ser, sin ser capaz de ejercerlo desde el principio.

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WMP: ¿Cómo fue trabajar con Joe Chiccarelli en tu álbum ‘Agent Cooper’?

LH: Fue una experiencia muy completa. Desde luego que es un gusto trabajar con alguien que conoce su trabajo tan bien, que tiene tanta personalidad en el estudio y que tiene tanta experiencia y tan buena intuición.

WMP: ¿Cómo influyó en tu sonido el haber trabajado con Joe?

LH: Definitivamente lo llevó a un nivel muy superior, porque las maquetas ya tenían todo ese acercamiento a lo eléctrico y hacía un poco de dream pop, y él lo llevó a un sitio bastante único, con mucha personalidad, porque no creo que este disco tenga un sonido actual, ¿sabes? No creo que sea algo de la música que se oye ahora, pero sin embargo tiene algo de personalidad y creo que es un poco de la suya y un poco de la mía y la de mi banda

WMP: Platícanos del video de “Casper” y cómo fue interpretar ese personaje.

LH: La verdad fue muy fácil trabajar con mi amigo Diego Hurtado Mendoza, con quien ya había trabajado antes. Fue fácil meterse en el personaje porque era un poco exagerado; no había que transmitir cosas que yo no hubiera sentido antes, o de repente meterte en una situación como muy loca o muy inesperada. Ella está muy confusa: no sabe a quién quiere, ni con quién sueña, ni qué es lo que desea en la vida. Me adula que me hables de esto en término de personaje, porque yo no me lo había tomado tan en serio. Pero me parece que los rodajes son como irse de crucero con la gente, porque estás como metido en una historia como al margen del resto del mundo y de repente estás con las mismas personas, todo el tiempo juntos, viéndose las caras y es un viaje.

WMP: ¿Cuáles son tus influencias musicales? He escuchado que te han llamado la Feist española. ¿Qué tan acertada es esta comparación?

LH: La verdad yo soy muy fan de Feist, me encanta su música, me encanta su actitud, me lo creo de pies a cabeza. Y me hacen gracia las comparaciones. Mira, un periodista dice que si me habían comparado con Dolly Parton, fíjate qué abismo hay entre una y otra. Estar en un espectro entre Leslie Feist y Dolly Parton es bastante interesante, y desde luego que caben tantas mujeres ahí dentro, que seguramente también entro yo. En cuanto a referencias musicales, se me da un poco mal responder esta pregunta, porque escucho mucha música, y toda supongo que me condiciona, pero yo no soy consciente de cuando estoy componiendo y estoy recurriendo a algún sonido lo hago por una música determinada que estoy escuchando. Hay una cosa que hago mucho: hago canciones cortas y no termino como de acabar algunas ideas que potencialmente podrían ser canciones interesantes, y luego me doy cuenta de que hay una canción ulterior que hago que tiene que ver muchísimo con estos retazos de esas canciones que no llegué a acabar.

WMP: Vas a estar en México. ¿Te has presentado en la ciudad antes?

LH: Sí, estuve en 2009 en el Centro Cultural de la Embajada Española, estuve un par de días, y fue un viaje demasiado corto. Me hubiera gustado ir con ‘Fuerteventura’ y en general pasar más tiempo en México, así que con este nuevo viaje ahora en marzo tendremos más tiempo para conocer la ciudad y conectar con la gente.

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Agradecemos a Lourdes por su tiempo y por compartir con nosotros esta información con todo y sus detalles. Russian Red se presentará el sábado 22 y domingo 23 de marzo en el Lunario del Auditorio Nacional como parte de su gira a cargo de XLR producciones en la que promociona su álbum ‘Agent Cooper’. A juzgar por la localidad y la personalidad de Lourdes podemos anticipar que va a ser un evento íntimo e irrepetible, por lo que lo recomendamos enormemente. Podrás adquirir los boletos en la siguiente liga: http://bit.ly/1fyxApJ

Escucha aquí la entrevista que tuvimos con Lourdes.

Agent Cooper’ ya está disponible en formato físico, y lo puedes conseguir en tu tienda de música favorita. También puedes adquirir el álbum en formato digital en los siguientes enlaces:

http://www.amazon.com/Agent-Cooper-Russian-Red/dp/B00HFP1ZOI

https://itunes.apple.com/es/album/agent-cooper/id795083500 http://www.deezer.com/artist/263049

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Experience Hendrix Tour 2014: el tributo más grande al maestro zurdo de la guitarra eléctrica

En el mes de marzo será invocado el espíritu salvaje e inmortal de una de las leyendas más trascendentales del rock: Jimi Hendrix, con una gira por todo el país de los Estados Unidos dedicada a su música y su legado. La octava edición del Experience Hendrix Tour, producida por BandFuse: Rock Legends y Experience Hendrix L.L.C., dará inicio el martes 11 de marzo en el Verizon Theatre de Dallas; tendrá veinticinco fechas anticipadas, de las cuales la mitad ya agotaron sus boletos, y contará con la participación de Zakk Wylde, Eric Johnson, el ícono de blues Buddy Guy, Johnny Lang, Kenny Wayne Shepherd, Dweezil Zappa (hijo de Frank Zappa), Cesar Rosas de Los Lobos, David Hidalgo, Eric Gales, Doyle Bramhall II, Rich Robinson de Black Crowes, Brad Whitford de Aerosmith, Robby Krieger de The Doors, Taj Mahal, Quinn Sullivan, Mato Nanji y la Serbia Ana Popovic, todos ellos influenciados por Hendrix. En la sección rítmica, y junto con todos estos artistas tocará el bajo Billy Cox, el único miembro -además de Jimi Hendrix-, que estuvo tanto en Band Of Gypsys como en The Jimi Hendrix Experience. En la batería estará el miembro fundador de Double Trouble (banda de Stevie Ray Vaughan) Chris Layton. El festival originalmente sólo comprendía diecinueve fechas, pero el 23 de enero se anunció en la página oficial la extensión del mismo por seis conciertos más, además de la integración de Robby Krieger, Rich Robison, Taj Mahal, Brad Whitford y Quinn Sullivan al cartel.

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La historia de tributos a Jimi Hendrix es extensa, y comienza en septiembre de 1995. Una noche en el Bumbershoot Arts & Music Festival tuvo lugar el Jimi Hendrix Electric Guitar Festival, que se convirtió en el primer pequeño festival dedicado exclusivamente a la obra de Jimi. A partir de entonces hubo una resucitación a la música de Hendrix sepultada veinte años atrás; el crédito principal es del padre de Jimi, James “Al” Hendrix, quien fundó por estas fechas la organización Experience Hendrix— ahora presidida por la hermana adoptiva de de Jimi Hendrix, Janie— como principal difusora del gran trabajo de su hijo. Experience Hendrix, en asociación con diferentes productoras, organizó más de veinte festivales homenaje a Jimi Hendrix, entre ellos otro Jimi Hendrix Electric Guitar Festival en 1998, así como siete tributos de una sola noche en Norteamérica, dos ediciones de la gira Jimi Hendrix Electric Guitar Competition, cuatro del Jimi Hendrix Red House Tour y siete giras con el nombre de Experience Hendrix Tour (la primera de ellas en 2004). En la mayoría de estos eventos han colaborado los ex miembros de The Jimi Hendrix Experience Billy Cox y el magnífico baterista Mitch Mitchell, a quienes Jimi conoció mientras hacía su servicio en el ejército en Fort Campbell, Kentucky. En una ocasión, Billy y Mitch comentaron que Janie Hendrix había sido quien desenterró los numerosos trabajos musicales de Jimi, además de darles al bajista y al baterista el crédito que ellos merecían al haber sido parte de la banda más icónica de su hermano, y que gracias a ella la música de Jimi Hendrix tiene el alcance y la influencia de hoy en día.

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El Experience Hendrix Tour 2014 también tiene una dedicatoria especial a Mitch Mitchell, ya que su fallecimiento aconteció mientras dormía en el Benson Hotel en Portland durante la gira Experience Hendrix Tour de 2008. En ella participaba como baterista permanente. Mitch formó parte de la super banda The Dirty Mac junto con Keith Richards, Eric Clapton y John Lennon, quienes interpretaron únicamente dos canciones para el álbum ‘The Rolling Stones Rock And Roll Circus’. Fue uno de los músicos más fieles a Jimi, y su talento en las percusiones siempre impresionó a la audiencia.

Para obtener información sobre las fechas, precios y detalles, visita los siguientes enlaces:

http://www.experiencehendrixtour.com/dates.php

http://goo.gl/jU3vSx

https://www.facebook.com/JimiHendrix

https://twitter.com/JimiHendrix

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De Copenhague a Nueva York, de Nueva York a México: New Politics invade el Nuevo Continente.

Mientras se preparan para su gira con Fall Out Boy y Paramore Monumentour por los Estados Unidos y Canadá, David Boyd y Søren Hansen de New Politics comparten con nosotros los principales motores que les han ayudado a componer su música a lo largo de su carrera en una entrevista exclusiva para The WMP.

David Boyd y Søren Hansen solían ser dos buenos amigos músicos que vivían en Copenhague, cada quien ocupado de su propio proyecto musical amateur, y ambos colaboraban en el proyecto del otro. Sus autorías como solistas nunca rindieron frutos; en cambio, descubrieron que tenían lo que podía llamarse como ‘indicios de una banda’. En 2009 probaron su suerte como tal en un concurso radiofónico nacional danés que tenía como premio participar un importante festival de música en Dinamarca. Con sólo tres canciones, y todavía sin tener una agrupación formal -no tenían baterista ni bajista-, fueron seleccionados entre los cuarenta y dos finalistas ya con el nombre de New Politics. Eventualmente, David y Søren ganaron este concurso junto con otras tres bandas, y para poder debutar en grande en el prometido festival, contrataron como baterista a Poul Amaliel.

Tras el éxito de New Politics en el festival, RCA firmó un contrato con ellos y los integrantes se vieron obligados a mudarse a Brooklyn, Nueva York, donde actualmente residen. A partir de esta mudanza New Politics ha expandido su popularidad en Norteamérica y por todo el mundo. En 2010 lanzaron su primer álbum: ‘New Politics’, bajo el sello RCA, con el que también lanzarían más tarde el segundo, titulado Bad Girl In Harlem en el 2013.

Después de su primer disco, Poul decidió regresar a Dinamarca y fue sustituído, entonces quedó la alineación actual: David Boyd como vocalista, Søren Hansen toca la guitarra, el bajo, el teclado y también canta; y Louis Vecchio es ahora el baterista.

El estilo punk dancepopero, la voz barítona y entusiasta de David, y su música potente y enérgica pero pulcra, han relacionado a New Politics con bandas como Panic! At The Disco, 30 Seconds To Mars y Fall Out Boy, con quienes ya han estado de gira. En verano de este año, tendrán una gira con los segundos otra vez, además de ser acompañados por Paramore.

Les traemos una entrevista con David y Søren -exclusiva para The WMP- después de su presentación en la Arena Ciudad de México, junto con Fall Out Boy y Panic! At The Disco, en la que nos platicaron sobre las cosas que los inspiran para componer sus canciones, su segundo álbum, sus actividades y muchas otras cosas:

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WMP: 2013 fue un gran año para ustedes, ¿cierto? Estuvieron por todos lados ofreciendo conciertos, y al mirar el plan de su gira, vimos que no van a parar este año.

Søren: Definitivamente no queremos parar. Cuando hicimos el segundo álbum nos tomó tiempo encontrar la base de lo que realmente queríamos hacer, y estamos muy agradecidos de que tras haber resistido tanto hayamos tenido éxito y podamos seguir haciendo esto. Ahora sólo queremos seguir dando lo mejor de nosotros, y estar en México es una de las cosas más sorprendentes que hemos hecho.

WMP: Nos da gusto que disfruten su estancia aquí. ¿Y qué piensan que ha cambiado en ustedes en cuanto a su música y personalmente del álbum New Politics a Bad Girl In Harlem? ¿Cómo creen que han evolucionado sus composiciones?

David: Creo que hemos cambiado bastante, y ha sido un cambio gradual y constante, entonces es algo difícil de percibir, es decir, tenemos los mismos elementos que antes, seguimos siendo los mismos que componen, sólo que estamos en un segmento diferente de nuestras vidas, hemos tenido nuevas experiencias, tuvimos la oportunidad de hacer muchas cosas que otras bandas probablemente no han podido, y creo que realmente aprovechamos esto para hacer algo original. El segundo disco es un reflejo de estas experiencias.

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WMP: Fue un largo tiempo entre el primer y segundo álbum, alrededor de tres años. ¿Qué estuvieron haciendo en este intervalo?

D: Creo que el primer disco marcó lo que somos y nos abrió muchas puertas, porque muchas personas habían escuchado de nosotros pero no consumían nuestra música ni venían a nuestros conciertos. Ahora muchos lo hacen. El segundo álbum nos tomó un año dos meses hacerlo, y después nos fuimos de gira por dos años mientras promovíamos nuestro disco, intentábamos conseguir fans, estuvimos conociendo gente y abriendo más puertas. Fue un periodo largo, y una montaña rusa emocional

WMP: ¿Por qué?

S: Creo que, para empezar, el hecho de venir de otro país trajo consigo ciertas sensaciones encontradas. Cuando terminamos el disco empezamos con el tour y todo era nuevo para nosotros, y pensábamos «¡Vaya! ¡Esto es increíble!», hasta que frenamos en seco y nos dimos cuenta de que todos nuestros amigos estaban en Dinamarca, en Estados Unidos no conocíamos a nadie a quien pudiéramos marcar para invitarle una cerveza. La cultura de allá es muy diferente a la de nuestro país y nos costó trabajo adaptarnos. La segunda causa es que hemos construido muros en torno al sonido de New Politics, y para romperlos tuvimos que mentalizarnos de que no hay nada que perder, proponernos sólo divertirnos. Entonces empezamos a escribir a cerca de estas cosas.

WMP: Hemos observado que la escena musical de Dinamarca ha crecido, y le ha dado a este país una nueva cara y un nuevo sonido.

D: Es sorprendente. Es una escena muy pequeña, pero en la Península de Escandinavia en general tenemos cierta calidad que no encuentras en ningún otro lugar, y creo que es porque estamos físicamente aislados, pero a la vez estamos conectados e inspirados por otras escenas musicales, entonces cuando hacemos música nos sale naturalmente bajo un estilo diferente, y estamos orgullosos de pertenecer a esta corriente.

WMP: ¿Cuál sería su consejo para las bandas emergentes de Dinamarca y otros países de habla no anglosajona para llegar a todo el mundo que está más acostumbrado a bandas que cantan en inglés?

S: Algo que hemos aprendido es que lo más importante es creer en tus sueños, no dejar de luchar por ellos y tener fe, aunque los demás te digan lo contrario. Atreverte a arriesgar todo por conseguirlos.

D: También es muy importante aprender a escuchar a tus amigos, familiares y compañeros de trabajo, y también está lo que Søren dijo: luchar por tu sueño. No necesitas conocer los detalles, sólo tienes que sentirlo, confiar en que lo lograrás perseguirlo y tomar una actitud como de niño, es decir, mantener la mente abierta al aprendizaje e ir siguiendo este camino. Se trata de cuánto puedes aguantar: cuántas derrotas y cuántas negaciones. Si sigues este camino, eventualmente se te abrirán puertas, y cuando estés ahí, aprovéchalo y diviértete.

WMP: Confiamos en que seguirán teniendo mucho éxito. Ahora, llegó la hora de la verdad. ¿Qué creen que significan las siglas WMP?

S: World Music Press.

D: Water Magic Puto (sic)

 

Agradecemos a New Politics por su entrevista y su tiempo, y podemos decir de Søren y David que son dos jóvenes divertidos y carismáticos que tienen mucha química entre ellos, y esto se ve reflejado en sus presentaciones en vivo.

Éstas son las páginas por las que pueden seguir a New Politics:

http://newpoliticsrock.com/

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https://twitter.com/newpolitics

http://instagram.com/newpoliticsrock

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Enciende una estrella para celebrar el cumpleaños de Johnny Cash

Este miércoles 26 de febrero, el Hombre de Negro cumpliría ochenta y dos años de estar vivo. Para celebrar su cumpleaños, nos da un obsequio que trasciende la muerte para complacernos con momentos y sensaciones inigualables que sólo él supo ofrecer.

A lo largo de una carrera musical de medio siglo, Johnny Cash tuvo tantas grabaciones que a pesar de haber lanzado más de noventa álbumes -sin contar recopilatorios-, su vida no alcanzó para ver todas éstas publicadas. A los ochenta y dos años de su nacimiento, y diez años después de su muerte, el nombre Johnny Cash continúa lanzando discos con canciones inéditas y grabaciones nunca escuchadas por el público. El box set Unearthed (2003), que incluye ochenta canciones repartidas en cinco discos. De igual forma, los álbumes American V: A Hundred Highways (2006) y American VI: Ain’t No Grave (2010) son algunos de los ejemplos de trabajos póstumos suyos. Ahora, el Hombre de Negro nos sorprende otra vez con más material descubierto por su hijo John en 2012.

“Mis padres nunca desechaban nada. Conservaban todo en su vida. Tenían un archivo que tenía de todo, desde las cintas de audio originales de ‘The Johnny Cash Show’ hasta peculiaridades como una silla de montar de camello que les regaló la princesa de Arabia Saudita” —Comenta John Carter Cash respecto a su hallazgo.

El hijo de Johnny y June encontró en este extensísimo archivo unas grabaciones de su padre realizadas en 1981 y 1984 con la ayuda del reconocido productor de música country Billy Sherrill —con quien grabó su álbum The Baron (1981) —que nunca fueron publicadas por aquel cambio de disquera al que se vio obligado en la decadencia de venta de sus discos (esta no fue provocada por su labor musical, si no por el decrecimiento de la demanda de artistas country en esa época). El rescate de estas invaluables piezas dio como resultado la producción del último disco posterior a la muerte de Johnny Cash: Out Among The Stars.  

Para celebrar el cumpleaños del hombre de negro, sus fans, junto con Columbia Records y Legacy -disquera que lanza este disco-, prepararon una iniciativa llamada Light Up a Star to Celebrate Johnny Cash’s Birthday’ (Enciende una estrella para celebrar el cumpleaños de Johnny Cash), que consiste en enviar a través del sitio oficial del álbum birthday.johnnycashonline.com, un deseo de cumpleaños para Johnny este miércoles 26 de febrero, a partir de las 12:01 a.m. (misma hora en el reloj para todas las zonas horarias). Las personas que participen en esta iniciativa podrán poner una estrella a la que estará adjunto su mensaje de buenos deseos en un cielo virtual en la página. Asimismo podrán navegar a través de las demás estrellas para leer los deseos de las demás personas que participaron. Además de esto, recibirán como regalo un adelanto del disco: podrán escuchar gratuitamente la primera canción homónima al álbum “Out Among The Stars” antes de cualquier otra oportunidad, y un mes previo al lanzamiento oficial del disco, que será el 25 de marzo. El álbum ya puede ser pre-ordenado en los siguientes links:

Amazon: http://smarturl.it/cash_stars_itunes

iTunes: http://smarturl.it/cash_stars_itunes

Johnny Cash Online Store: http://smarturl.it/cash_stars_official

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Bien producidas e interpretadas por un Johnny relativamente joven y con un timbre de voz en sus mejores momentos -pese a vivir varias situaciones desfavorables durante su grabación como problemas maritales y drogadicción-, este álbum también incluye otros once tracks; entre ellos “She Used To Love Me A Lot”, una canción melancólica que relata una historia de un hombre que deja a una mujer que lo amaba mucho, y tiempo después, cuando se rencuentran, recapacita e intenta recuperarla, aunque sin éxito. También figura entre éstas la enérgica y alegre “I’m Movin’ On”, original del cantante de country canadiense Hank Snow, con un estilo country rock, que habla sobre superar problemas y de que la vida da muchos giros y es muy breve como para vivir lamentándose. En esta canción colabora con su voz el viejo compañero de banda de Johnny Cash, Waylon Jennings, con quien conformó The Highwaymen junto a Willie Nelson y Kris Kristofferson.

En el álbum colaboran eminentes músicos de country y folk, como Pete Drake, Jerry Kennedy, el perteneciente al Salón de la fama de música country Hargus “Pig” Robins, Marty Stuart y Henry Strzelecki. También participa la bien conocida esposa de J. R. Cash, June Carter, quien presta su voz para los coros de “Baby Ride Easy” y “Don’t You Think It’s Come Our Time”.

Estén al pendiente de del lanzamiento del álbum Out Among The Stars, que revive el espíritu bromista, activista y rebelde de un Johnny Cash lleno de intrigas, de sueños y a pesar de todo, de vida. También, participen en la iniciativa de su cumpleaños, en la que serán el público quien reciba el regalo y harán nacer una estrella para otra que se incorpora al manto estelar y nos cubre por las noches.

La noche que cambió a América

¿Qué se necesita hacer para que más de diez artistas ganadores de diferentes premios Grammy se unan para hacerte un tributo conmemorando una presentación de hace cincuenta años? La respuesta a esta pregunta puede parecer sencilla: ser la banda de pop rock más popular en la historia. Sin embargo, tener una trayectoria como la de los Beatles implica muchos años de trabajo y dedicación, por mencionar algunas cualidades y esfuerzos que les fueron necesarios para llegar a lo que hoy en día son.

El 9 de febrero de 1964 Estados Unidos presenció uno de los actos más influyentes en la historia de la cultura pop. Cuatro jóvenes provenientes de Liverpool darían su primera presentación televisada en vivo por cadena nacional en el bien conocido show de Ed Sullivan, dando como resultado una actuación para los libros y marcando el inicio de la llamada ‘Invasión Británica’ en la música popular en Norteamérica. Esta noche también lanzó a los Beatles a un estrellato más universal, ya que con este show se dieron a conocer alrededor del globo. Actualmente los Fab Four recuerdan esta fecha como un evento trascendental para su carrera.

Cincuenta años después de esta legendaria noche, y dos semanas posteriores a las premiaciones Grammy, CBS transmitió para todos los Estados Unidos The Beatles: The Night That Changed America – A Grammy Salute”, una conmemoración a aquella presentación con Ed Sullivan, esta vez producida por Ken Ehrlich y conducida por diferentes celebridades, entre ellas LL Cool J, Sean Penn y Johnny Depp. El tributo se transmitió en  la misma fecha, a la misma hora e inclusive desde la misma sede que el concierto de 1964: el Ed Sullivan Theatre. En este tributo participaron artistas como Alicia Keys, John Legend, Katy Perry, Maroon 5, Pharrell Williams, John Mayer, Annie Lennox, Dave Stewart, Stevie Wonder entre otros, y por supuesto los dos sobrevivientes de los Beatles Paul McCartney y Ringo Starr, quienes tuvieron una entrevista con David Letterman, misma que se transmitió alternándose con los covers que les hacían en vivo los artistas antes mencionados. El ya anticipado regreso de Eurythmics: (Annie Lennox y Dave Stewart) sorprendió al público con una interpretación emotiva de “The Fool In The Hill”. También sobresalió “Let It Be”, interpretada por Alicia Keys y John Legend. Katy Perry cantó “Yesterday” y Pharrell Williams y Brad Paisley hicieron su versión de “Here Comes The Sun”.

Dave Grohl no podía quedarse atrás con su tributo a The Beatles, después de declarar públicamente que es su banda favorita, y habiendo compartido el premio Grammy de mejor canción de rock con el mismo Paul McCartney con “Cut Me Some Slack”, en la que también participaron Krist Novoselic de Nirvana y Pat Smear de Foo Fighters. En esta noche él interpretó “Hey Bulldog” junto con Jeff Lynne del grupo musical Electric Light Orchestra. Cabe mencionar que Foo Fighters realizaron un evento bastante parecido a éste el 12 de abril de 2011: la transmisión de un concierto homenaje a The Beatles, reviviendo las mismas tomas en blanco y negro que la presentación que tuvo fecha en 1964, también en el mismo escenario, transmitido por CBS y conducido por David Letterman. Para esta representación que tuvo una duración de dos horas, los integrantes de Foo Fighters vistieron la misma moda que lucieron los Beatles en el programa original, tocaron con imitaciones de aquellos instrumentos y hasta se aprendieron los movimientos que sus ídolos usaron esa noche. A diferencia de la conmemoración de los cincuenta años de aquel programa, este tributo fue una especie de juego para Foo Fighters, un evento en el que decidieron hacer algo diferente para recordar una de sus bandas más influyentes, y no tanto una conmemoración formal.
(Ver link con la presentación)

El aniversario de cincuenta años del programa no fue transmitido en vivo debido a su complejidad; éste fue grabado el 27 de enero, un día despúes de la entrega de los Grammys pero fue emitido al aire hasta el 9 de febrero, fecha en la que se realizó el concierto original de los Fab Four. Previos a esta transmisión, pero posteriores a su grabación, tuvieron lugar presentaciones más sencillas por parte de otros artistas en el mismo escenario, también con David Letterman y asimismo haciendo homenaje a The Beatles, completamente en vivo, esto como una preparación al evento principal del que ya hemos hablado. Los tributos consistieron en un par de canciones por show, un show cada noche durante toda la semana. A Broken Bells le tocó inaugurar esta serie de tributos el lunes 3 de febrero, a pesar de tener una agenda ocupada y mucho de qué hablar con el reciente lanzamiento de su álbum ‘After The Disco’. Comenzaron con “And I Love Her”, en la cual se apoyaron de un loop de una grabación de Ringo Starr de aquella noche del ’64 reproducido en una pequeña televisión al centro del escenario. Se valieron de este mismo recurso para concluir con “I Am The Walrus”.  La actuación de Broken Bells fue formidable, las vocales armónicas de James Mercer crearon una atmósfera de cierta melancolía deseada por el público mientras que el sintetizador le daba un toque industrial y surrealista, a cargo de Danger Mouse, quien debutó al haber hecho anteriormente mash ups de Jay-Z y The Beatles en su lanzamiento ‘The Grey Album’. A esta presentación la sucedió Sting el martes, Flaming Lips y Sean Lennon el miércoles y el jueves Lenny Kravitz.

Concluido el aniversario al gran debut de The Beatles, Paul y Ringo seguirán con sus proyectos respectivos (esperemos que pronto se vuelvan a reunir). Después de más de cincuenta años de carrera, los dos músicos siguen llenos de vida y probablemente más activos que muchos artistas contemporáneos. Seamos gratos con el hecho de que nos tocó presenciar la vida y obra de al menos la mitad del cuarteto más famoso del Reino Unido, auténticas leyendas vivientes, quienes hace medio siglo protagonizaron la noche que cambió a América, y al mundo.

Broken Bells – After the Disco, repasado track por track

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Dos de los más grandes representantes de la música contemporánea, Brian Burton y James Mercer, el primero la mente maestra detrás de Danger Mouse y el otro compositor y guitarrista de The Shins, han creado un dúo creativo como pocos en la industria musical. Broken Bells es un proyecto que combina elementos de cada artista que dan como resultado un trabajo exquisito que se disfruta desde su lanzamiento homónimo de 2010. Alejado de ser un álbum de indie rock, en After The Disco —su más reciente producción— podemos escuchar ciertos toques de The Shins, y las atmósferas digitales de Danger Mouse. El álbum aparentemente tiene una sensibilidad popera, pero también incluye elementos de la música disco de los ‘70, al apegarse al sonido de clásicos del género Bee Gees y Y ABBA.

Su primer track “Perfect World” carga con toda la esencia del disco; un ritmo indie-pop que nos recuerda un poco a los sintetizadores y coros de The Killers. Aún así es una excelente canción de enganche, ya que desde este punto despierta el interés por conocer más.

Con referencias sonoras de Daft Punk, el homónimo y segundo tema del disco (“After the Disco”) es una canción digerible con tintes electrónicos que puede formar parte de los playlists de cualquier DJ. La voz de Mercer es el eje principal al acompañarse en perfecta sincronía con los beats y secuencias de Burton.

“Holding On For Life” -segundo sencillo de este disco- es una exquisita mezcla entre dream-pop y el ya mencionado sonido disco a la Bee Gees. El groove de bajo aquí toma fuerza, pero combina con la sutileza cada elemento de la canción.
Si de intermezzos hablamos, “Leave It Alone” se queda con los aplausos. De los beats apasionados en el track que le antecede, el dúo de Los Ángeles nos transporta a una canción acústica que sintetiza la voz de Mercer con una sencilla guitarra y sampleos down-tempo que hacen perfecta sintonía de texturas auditivas.

Sin tantos cambios avanza el disco con temas igual de disfrutables como “The Changing Lights”, “Control” y “Lazy Wonderland”; en esta última se nota un ligero sonido country con coros surrealistas cuya naturaleza campirana la convierte en una de las más queridas.

El sonido más cercano a The Shins se da con “Medicine”, una canción apegada a ese característico indie rock de los de Nuevo México. Avanza el disco con dos temas de ambientación relajada y minimalista: “No Matter What You’re Told” y “The Angel and the Fool”. Ambas funcionan como interludio para dar cierre al ciclo: “The Remains of Rock & Roll” (cualquier parecido con Led Zeppelin es mera coincidencia), otra pieza con tintes country, pero con un toque futurista que hace consonancia con el total de la producción.

La incursión que hace Broken Bells en la música disco, hace de este álbum un material que sorprende por ese juego bien estructurado de sonidos y corrientes musicales. Además, demuestran que apostar por armonías consumidas que no están en el hype actual es válido y gusta cuando lo trabajas con calidad. Ya veremos si Burton hace lo propio con el nuevo álbum de U2 que producirá este mismo año.